L’exposition Futura 2000 dans la collection agnès b. se tient actuellement à La Fab., l’espace culturel fondé par agnès b. dans le 13ᵉ arrondissement de Paris. Cette rétrospective immersive retrace 40 années de création de l’artiste à travers 60 œuvres issues de la collection personnelle d’agnès b. : des toiles emblématiques, des sculptures, des archives rares… On ne pouvait qu’être curieux de découvrir ce que cette nouvelle collaboration entre ces deux univers visionnaires allait produire.

QUI EST FUTURA 2000 ?

Futura 2000, de son vrai nom Leonard Hilton McGurr, est une légende vivante dans le monde de l’art urbain. Pionnier du graffiti new-yorkais et précurseur emblématique du graffiti abstrait dès les années 70,
Futura a réussi à transcender les frontières du graffiti. Dès les années 80, il expose dans des galeries à New York (comme la Fun Gallery) et en Europe aux côtés de Jean-Michel Basquiat, Keith Haring ou Rammellzee. Il devient l’un des rares artistes issus du graffiti à être rapidement reconnu dans le monde de l’art contemporain.

« Le graffiti était une façon pour moi d’exister. Je voulais que le monde connaisse mon nom. Je voulais être quelqu’un » Futura 2000 

Mais Futura ne suit pas les codes traditionnels du graffiti : là où d’autres se concentrent sur les lettres, lui explore un langage abstrait, fluide et futuriste inspiré par la science-fiction, la culture punk, le design industriel et les interfaces numériques. C’est un art résolument techno-poétique ! Ses compositions dynamiques, mêlant formes biomorphiques et lignes cinétiques, évoquent un univers cosmique en perpétuel mouvement.

1. Un langage visuel unique

Une abstraction cosmique

Dès l’entrée,  ce qui frappe le visiteur d’emblée dans les toiles présentées à La Fab., c’est la puissance de l’abstraction. Chez Futura 2000, les formes semblent flotter dans l’espace, comme en apesanteur. Lignes filantes, halos de couleurs, éclats de matière : chaque œuvre évoque un univers en expansion, entre chaos contrôlé et mouvement perpétuel. L’artiste y projette sa vision, un monde cosmique, instable mais profondément humain. L’univers est chez lui une métaphore de la liberté et de l’infini. Cette esthétique abstraite donne à ses œuvres une dimension spirituelle. Futura invente un langage qui n’appartient qu’à lui. Un graffiti libéré de la lettre, où la vibration du geste prime sur toute narration.

Où le geste prend toute sa place

Cette esthétique de l’abstraction cosmique, ne saurait exister sans une relation particulière à l’acte même de peindre. Car au cœur de l’œuvre de Futura, il y a le geste, brut, libre, immédiat : une manière de capter l’instant et de le projeter dans l’espace. Loin des constructions rigides du graffiti traditionnel, où le lettrage domine, il privilégie la spontanéité, l’élan, le souffle. Chaque trait à la bombe devient un prolongement du corps, presque une calligraphie de l’instinct. On sent dans ses œuvres l’urgence du mouvement, mais aussi une maîtrise fine du rythme, du vide, de la matière. La spray, devient un pinceau du futur, capable de nuances inattendues. 

« L’essence du graffiti, c’est créer une identité et l’amener dans l’espace public » Futura 2000 

Dans un équilibre entre contrôle et lâcher-prise

Cette manière de peindre, née dans les tunnels du métro new-yorkais, s’est affinée sans jamais perdre son intensité. À La Fab., certaines toiles semblent presque improvisées, alors qu’elles sont en réalité le fruit d’un équilibre fragile entre contrôle et lâcher-prise. Ses œuvres mêlent ordre et désordre. Certaines parties sont soigneusement maîtrisées, d’autres laissent place au hasard de la matière et du geste. C’est dans cette tension que réside la poésie visuelle de Futura : un art qui ne cherche pas à tout dire, mais à suggérer, à faire vibrer. 

L’alter ego futuriste

On retrouve également son célèbre personnage, Pointman, silhouette robotique et solitaire, sorte de messager silencieux perdu dans une époque technologique. Cette figure devient un écho à l’artiste lui-même : observateur engagé, en dehors du système mais toujours en dialogue avec lui. Un humanoïde robotique stylisé qui incarne une forme d’alter ego solitaire et futuriste. Il symbolise à la fois l’individu dans la foule et l’humain dans la technologie.

Les toiles de Futura dans cette exposition déploient un univers abstrait, cinétique et cosmique, où se croisent énergie urbaine, introspection, et visions du futur. Elles ne racontent pas une histoire linéaire, mais proposent une expérience sensorielle et mentale.

2. La musique en fond

La musique occupe une place fondamentale dans l’univers de Futura 2000 : non seulement comme source d’inspiration, mais aussi comme langage parallèle à son art visuel. Chez lui, l’image et le son sont indissociables d’une même énergie urbaine, pulsée, libre.

Une influence directe du punk et du hip-hop

Dans les années 70 et 80, Futura fréquente les scènes punk rock et hip-hop émergentes à New York. Il est proche du groupe The Clash, avec qui il part en tournée en 1981 : il peint en direct sur scène, en rythme avec les morceaux : une performance totalement inédite à l’époque, mêlant art visuel et musique live. Cette expérience a profondément marqué sa pratique : peindre devient un acte rythmique, presque chorégraphique, guidé par le son.

La culture du son comme terrain commun

Futura est aussi profondément lié à la culture de la mixtape, du DJing, du sampling, où l’on compose en juxtaposant, en hybridant. Cela se reflète dans ses collaborations : il a travaillé avec James Lavelle (UNKLE), participé à des pochettes d’albums, des projets de design sonore et visuel, et reste une influence pour des musiciens comme DJ Shadow, Flying Lotus, ou A Tribe Called Quest.

Une rythmique visuelle

Dans ses compositions picturales, la musique n’est pas seulement un thème ou une influence extérieure : elle est structurante, presque architecturale. Elle organise l’espace, guide le rythme, inspire le mouvement. Futura compose ses toiles comme un musicien construit une piste : par couches, séquences, ruptures… Les traits fins à la bombe, les éclats de couleur, les zones de vides jouent le rôle de temps forts et temps faibles. Certaines œuvres évoquent même des partitions abstraites : pas de notes, mais des impulsions, des fréquences visuelles.

Le regard circule comme l’oreille dans un morceau : il suit un tempo, un groove graphique.

Improvisation contrôlée

À l’image du jazz, Futura travaille souvent en improvisation maîtrisée. Il pose des bases, puis intervient avec des gestes spontanés, des accidents heureux, comme un solo improvisé. La peinture devient un acte performé, presque dansé.

« Les gens disent : “jouons selon les règles.” Moi, je dis : “non — brisons un peu les règles” » Futura 2000 

Énergie urbaine et pulsation électronique

La vitesse, la répétition, le souffle du spray rappellent les boucles et les samples de la musique électronique. Son abstraction évoque des vibrations sonores, des ondes ou des résonances comme si la toile captait les fréquences invisibles de la ville. On peut y lire une traduction plastique du son de la rue.

Une spatialisation du son

Futura pense aussi l’espace pictural comme un espace sonore : certaines zones explosent, d’autres retiennent la tension ; certaines sont denses comme un refrain, d’autres légères comme un interlude. Il y a une dramaturgie musicale dans la manière dont ses éléments visuels s’équilibrent, s’écartent et s’opposent.

La musique chez Futura, elle ne s’entend pas, elle se lit. Elle est présente dans la structure même de ses œuvres : dans le geste, dans la composition, dans le rythme intérieur. En regardant une toile, on ne voit pas seulement un graffiti abstrait : on entre dans un paysage sonore qui respire.

3. Au-delà du graffiti

L’influence de Futura 2000 dépasse largement les frontières de la peinture et de la musique : il est devenu une figure transversale, un passeur culturel dont l’empreinte marque la mode, le design, le luxe, le sport et la culture visuelle contemporaine. Dès les années 1990, Futura avait déjà compris que le style pouvait circuler entre les murs, les écrans et les corps.

Mode : du streetwear au luxe

Futura est l’un des tout premiers artistes issus du graffiti à s’être imposé dans l’univers de la mode. Il a collaboré dès les années 90 avec agnès b., puis avec des géants du streetwear comme Supreme, Nike, Stüssy ou A Bathing Ape. Il a créé des collections capsules, des sneakers collectors, des logos et motifs devenus cultes. Plus récemment, ses collaborations avec COMME des GARÇONS ou Off-White montrent que son esthétique graphique minimaliste continue d’inspirer les designers les plus avant-gardistes.

L’exposition met d’ailleurs en lumière ces partenariats à travers une sélection d’objets rares (sneakers en édition limitée, covers de vinyles) et des documents d’archives.

Design d’objets

Son influence s’étend aussi au design d’objet et au monde des art toys : sa série de figurines Pointman (son personnage-icône) est devenue emblématique dans la culture urbaine et ses créations se collectionnent dans le monde entier. Par ce biais, Futura a su donner une forme tangible à son univers, en dehors de la toile : des objets à mi-chemin entre sculpture, art toy et manifeste.

Automobile, tech et innovation

Plus étonnant encore : Futura a collaboré avec BMW pour peindre une voiture (la BMW M2), avec un traitement abstrait et nerveux très personnel. Il a aussi été sollicité dans des projets mêlant art et nouvelles technologies, explorant des supports comme la réalité augmentée ou les NFTs, toujours avec la même volonté de repousser les cadres et les formats.

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Influence culturelle et générationnelle

Futura est aujourd’hui une référence pour toute une génération de créateurs, de stylistes, de musiciens, de graphistes, de tatoueurs. Son nom circule comme un code discret, une marque de respect pour une trajectoire indépendante, radicale et toujours innovante. Il est souvent cité aux côtés de figures comme Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, ou Rammellzee mais il a toujours suivi son propre chemin, plus discret, mais tout aussi influent.

Loin de se cantonner à l’art urbain, Futura 2000 a su infiltrer la culture visuelle contemporaine dans son ensemble, en mêlant rigueur esthétique, esprit d’expérimentation et refus des frontières. Il ne s’est jamais contenté d’un support : il a transformé sa vision du monde en un langage visuel global, fluide, modulable : toujours en avance d’un tempo.

Une amitié artistique de longue date

La Fab. n’est pas une galerie comme les autres. Fondée par agnès b., qui soutient depuis des décennies les artistes hors normes, souvent en marge des circuits traditionnels. Cette exposition est née d’une relation authentique entre agnès b. et Futura. On sent que ce n’est pas une expo “marketing”, mais un vrai hommage à un parcours artistique libre. 

La relation entre Futura 2000 et agnès b. remonte aux années 80, lorsque la créatrice de mode a commencé à soutenir et exposer son travail dans ses galeries parisiennes. En invitant Futura 2000, agnès b. poursuit son engagement de plus de 40 ans envers la scène artistique alternative. On sent que ce projet est né d’un respect mutuel, d’une amitié entre deux figures qui partagent une vision du monde : ouverte, engagée, résolument tournée vers l’avenir. Cette amitié a donné lieu à plusieurs expositions, dont celle actuelle à La Fab. à Paris.

Cette exposition est une occasion unique de plonger dans l’univers visionnaire de Futura 2000, où le graffiti rencontre l’abstraction, la technologie et la culture contemporaine. Elle offre une perspective enrichissante sur l’évolution du graffiti et son intégration dans les sphères artistiques et culturelles mondiales.

Depuis le 25 avril, jusqu’au 19 octobre 2025 / La Fab. : Place Jean-Michel Basquiat 75013 Paris

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En collaboration avec le centre Georges Pompidou, La Monnaie de Paris a frappé fort avec la rétrospective Georges Mathieu : geste, vitesse, mouvement, la première de cette ampleur depuis plusieurs décennies. Figure emblématique de l’abstraction lyrique, Mathieu a su faire vibrer les murs de cette institution avec ses toiles puissantes, énergiques, et profondément expressives.

L’exposition propose un parcours chronologique et thématique qui retrace avec finesse les grandes périodes de la carrière de Mathieu, de ses débuts dans les années 1940 jusqu’à ses dernières œuvres, en passant par ses expérimentations audacieuses des années 1960 et 1970.Du XXe siècle au XXIe, Mathieu, souvent relégué aux marges de l’histoire de l’art officielle, réapparaît ici dans toute sa splendeur, redonnant à son œuvre la profondeur qu’elle mérite.

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« Je peins dans l’urgence, pour ne pas laisser à l’intellect le temps de censurer l’intuition. » Georges Mathieu, 1960.

Cette citation résume parfaitement sa philosophie du geste spontané, opposée à la construction rationnelle de l’abstraction géométrique.

1. Une redécouverte bienvenue

Le choix de la Monnaie de Paris comme lieu n’est pas anodin : Georges Mathieu y a frappé une pièce de 10 francs dans les années 70. Cette exposition boucle ainsi une boucle, et redonne sens à sa conception de l’artiste comme “héros moderne”, à la fois créateur, penseur et communicateur. Longtemps considéré avec méfiance pour son succès médiatique ou son rôle dans le design industriel, Georges Mathieu retrouve ici toute sa légitimité artistique. L’exposition réussit le pari de réconcilier le public avec cette figure singulière de l’art d’après-guerre, à la fois érudit, mystique et flamboyant.

Une scénographie immersive

La scénographie, volontairement épurée, laisse toute la place aux œuvres. Les toiles, souvent monumentales, respirent pleinement dans l’espace, presque solennelles. Des vidéos d’époque, des documents d’archives et des extraits de ses textes théoriques ponctuent le parcours, offrant un contexte essentiel à sa démarche artistique. On y découvre la fougue calligraphique de l’artiste, ses gestes amples, presque chorégraphiques, capturés sur la toile dans une tension palpable entre chaos et maîtrise.

L’abstraction lyrique : entre émotion et fulgurance

Georges Mathieu n’était pas un peintre cérébral mais un artiste du geste. À travers l’exposition, on mesure la radicalité de sa démarche : peindre vite, sans repentir, dans une forme de transe qui annonce certaines performances contemporaines. Le visiteur est frappé par la modernité de ce geste, qui reste d’une grande puissance visuelle.

« Peindre, c’est se livrer. C’est une mise à nu devant l’instant. »

Il revendiquait une forme de sincérité radicale dans l’acte de peindre, assimilée à une forme de performance ou de rituel.

Des œuvres emblématiques

Parmi les œuvres présentées, certaines pièces phares captivent par leur intensité. On pense notamment à La Bataille de Bouvines ou à ses toiles noires et or des années 70, véritables incantations picturales. Le parcours met également en valeur ses travaux moins connus, comme ses expérimentations sur supports métalliques ou ses collaborations avec le monde industriel.

2. Le parcours de l’exposition

Le parcours de l’exposition s’organise en six sections, chacune éclairant un aspect déterminant de la pratique de Mathieu.

L’émergence de l’abstraction lyrique

On entre dans l’exposition par les prémices de son œuvre : les années d’après-guerre, où Mathieu se détache de la figuration pour proposer une nouvelle forme d’abstraction intuitive, opposée à l’abstraction géométrique de Mondrian ou Kandinsky. On y voit déjà poindre le geste libéré, l’improvisation, la vitesse d’exécution – marqueurs de ce que Mathieu théorise comme une “peinture d’urgence”

« L’abstraction lyrique, c’est l’éclatement de l’émotion sur la toile » Georges Mathieu

Une formule simple mais puissante qui montre combien il plaçait l’émotion au cœur de la création artistique. Lors de l’exposition, on retrouve un clin d’oeil à ses influences picturales comme Camille Bryen, Wols ou Jackson Pollock, tous adeptes de la “figuration non psychique”.

Le geste comme écriture

Cette partie met en lumière l’influence calligraphique et orientale sur son travail. Les toiles vibrent de traits nerveux, presque chorégraphiés. Des vidéos d’archives montrent Mathieu en train de peindre en public, en costume cravate, dans un rituel quasi-théâtral. Il peint debout, sans esquisse, tel un performeur.

Les grandes batailles de l’Histoire

Une salle saisissante est consacrée à ses œuvres monumentales à thème historique : La Bataille de Bouvines, Le Sacre de l’Homme, La Victoire de Denain. Ces toiles, à la croisée de la peinture d’histoire et de l’abstraction, montrent un Mathieu habité par la grandeur et le lyrisme, refusant l’élitisme froid de l’art conceptuel. 

L’artiste médiatique et industriel

C’est peut-être la section la plus surprenante : Mathieu designer, créateur de logos, de meubles, d’emballages… Il dessine des affiches pour Air France, conçoit des pièces de monnaie (évidemment !), collabore avec Usinor. Cette hybridation entre art et industrie, autrefois décriée, est aujourd’hui perçue comme visionnaire.

Matières, couleurs, surfaces

Cette partie met en avant les expériences matérielles de l’artiste : fonds métalliques, dorures, empâtements… On découvre un Mathieu plus sensuel, voire baroque, dont la matière picturale s’épaissit, s’illumine et se densifie dans les années 1970-80.

Le crépuscule et la postérité

Enfin, l’exposition se clôt sur des œuvres tardives, parfois plus sombres, mais tout aussi intenses. On mesure aussi ici l’héritage de Mathieu dans la scène contemporaine – avec des références croisées à des artistes performatifs ou abstraits d’aujourd’hui, qu’il a influencés malgré eux.

L’exposition réussit à dépasser les clichés qui ont longtemps entouré Mathieu : l’artiste médiatique, narcissique, conservateur… Ce que montre cette rétrospective, c’est un homme habité par la peinture, profondément engagé dans la défense d’un art de la sensation et de la transcendance.

Cette expo montre aussi combien Georges Mathieu, loin d’être un anachronisme, était en avance sur son temps : dans son rapport au corps, au geste, à la performance, et même à l’interdisciplinarité. À l’heure où l’art contemporain célèbre les formes hybrides et les pratiques libres, son œuvre retrouve toute sa pertinence.

3. Le dialogue avec les artistes graffiti

Quand le graffiti rencontre l’abstraction lyrique

L’un des moments les plus surprenants — et stimulants — de l’exposition consacrée à Georges Mathieu à la Monnaie de Paris réside dans la rencontre entre son œuvre et celle d’artistes issus de la scène graffiti. Loin d’un simple clin d’œil ou d’un exercice de style, cette mise en regard crée un véritable dialogue entre deux formes d’expressions viscérales, libres et profondément ancrées dans leur époque.

Georges Mathieu, pionnier de l’abstraction lyrique, peignait avec urgence, porté par le geste, l’énergie, l’instant. Une approche que les artistes graffiti, souvent habitués à créer dans l’espace urbain, connaissent bien. À travers cette section de l’exposition, certains d’entre eux réinterprètent librement les œuvres de Mathieu : non pas en les copiant, mais en les prolongeant, en les réactivant avec leur propre langage, fait de couleurs vives, de traits expressifs, d’élans bruts.

Le résultat : un face-à-face vibrant entre deux générations, deux formes de rébellion artistique. Le graffiti, longtemps marginalisé, trouve ici une place légitime dans le musée, et l’œuvre de Mathieu, loin d’être figée dans le passé, entre soudainement en résonance avec les mouvements contemporains. On découvre alors à quel point ses toiles parlent encore aux artistes d’aujourd’hui — et combien son geste a peut-être inspiré, sans le savoir, toute une culture visuelle née dans la rue.

Les artistes graffiti reinterprètent le travail de Mathieu

Dans l’exposition Graffiti x Georges Mathieu : Geste, Vitesse, Mouvement, six artistes urbains ont été invités à créer des œuvres in situ, dialoguant directement avec les dessins sur papier de Georges Mathieu. Cette confrontation artistique met en lumière les résonances entre l’abstraction lyrique et le graffiti contemporain.

JonOne, figure emblématique du graffiti, a réalisé une fresque monumentale aux couleurs éclatantes, capturant l’énergie et la spontanéité du geste cher à Mathieu. Son travail évoque une explosion de couleurs et de mouvements, de lettres et symbôles reflétant la dynamique de l’abstraction lyrique.

Lek & Sowat, duo reconnu pour leurs explorations architecturales et typographiques, ont conçu une installation immersive mêlant calligraphie urbaine et structures géométriques. Leur œuvre crée un pont entre les signes de Mathieu et le langage visuel du graffiti.

Nassyo, artiste aux influences multiples, a présenté une salle immersive où se mêle abstraction et symbolisme. Ses compositions, riches en dynamisme, textures et en contrastes, offrent une relecture contemporaine des motifs de Mathieu. Pour sa fresque en écho au travail de Georges Mathieu, Nassyo a travaillé directement au tube de peinture sur le mur, comme le faisait Mathieu.

Camille Gendron a proposé une oeuvre épurée, jouant sur la transparence et la superposition des formes. Son approche minimaliste met en valeur la gestualité et la fluidité du trait, en écho aux œuvres sur papier de Mathieu.

Matt Zerfa, quant à lui, a investi l’espace avec une série de peintures murales aux lignes dynamiques et aux couleurs vives. Son travail souligne la rapidité d’exécution et l’intensité émotionnelle, caractéristiques communes au graffiti et à l’abstraction lyrique.

Découvrez les artistes abstraits de l’équipe Background Paris.

Ces créations, réalisées spécifiquement pour l’exposition, offrent une relecture contemporaine de l’œuvre de Georges Mathieu. Elles témoignent de l’influence persistante de son art sur les pratiques artistiques actuelles et illustrent la vitalité du dialogue entre les générations. En sortant de l’exposition, on ne voit plus Georges Mathieu comme un “artiste du passé” mais comme un visionnaire oublié, en dialogue direct avec nos préoccupations artistiques contemporaines.

Cette rétrospective à la Monnaie de Paris est bien plus qu’un hommage : c’est une réhabilitation. Elle rappelle à quel point Georges Mathieu a ouvert la voie à une peinture libre, instinctive et universelle qui réinscrit Mathieu au cœur du récit de l’abstraction. Un rendez-vous indispensable pour tout amateur d’art contemporain.

11 avril – 7 sept. 2025 à la Monnaie de Paris (11 Quai de Conti, Paris)

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Du 24 au 27 avril 2025, le Carreau du Temple à Paris a de nouveau vibré au rythme de l’Urban Art Fair, rendez-vous incontournable pour les amateurs, les curieux et les collectionneurs d’art urbain. Cette neuvième édition a confirmé la place centrale de la foire dans le paysage artistique contemporain, en réunissant une quarantaine de galeries internationales et une programmation riche en découvertes.

« Avec “Obey!”, on voulait interroger la manière dont le street art, né dans la rue comme acte de rébellion, est aujourd’hui absorbé par la culture mainstream. Ce nettoyeur qui porte un tee-shirt “Obey” incarne cette ironie : le symbole de la contestation est devenu une marque ».

Murmure (Paul Ressencourt & Simon Roché) – Artistes et créateurs de l’affiche officielle de l’Urban Art Fair.

Cette œuvre, exposée sur le stand de la Mazel Galerie, a suscité de nombreuses discussions sur la commercialisation de l’art urbain. 

1. Les spécificités de l’Urban Art Fair 2025

Une édition marquée par l’ouverture internationale

Cette année, la foire a accentué sa dimension internationale : 43 galeries, dont plus de la moitié venues de l’étranger (Allemagne, Espagne, Corée du Sud, États-Unis, Belgique..). Cela reflète une volonté de faire dialoguer les scènes locales et globales du street art, et de mettre en lumière des talents moins visibles sur le marché français. Paris s’impose comme un carrefour de l’art urbain mondial.

Une réflexion sur la mémoire du street art

Des stands comme celui du Museum of Graffiti (Miami) ou la collaboration entre Logan Hicks et Martha Cooper ont rappelé que le street art a une histoire. Il ne s’agit plus seulement d’un art “à la mode”, mais aussi d’un patrimoine à documenter, archiver, transmettre. Leur stand a offert une perspective historique enrichissante sur l’évolution du graffiti.

« Présenter à Paris des œuvres inédites de GIZ, T-KID 170 et d’autres légendes du graffiti, c’est un pont entre les racines new-yorkaises du mouvement et son rayonnement mondial. » Museum of Graffiti.

L’arrivée du numérique et des nouvelles formes

L’intégration des NFT, de l’art génératif, ou des œuvres immersives confirme que l’art urbain évolue avec son temps. Certaines galeries ont exposé des œuvres digitales ou interactives, qui interrogent la frontière entre virtuel et réel, entre rue et écran.

Une édition sous le signe de la diversité et de l’engagement

Cette année, l’Urban Art Fair a su mêler avec finesse les signatures reconnues du street art — comme JonOne ou L’Atlas — et les talents émergents. Des œuvres monumentales aux formats plus intimistes, la foire a offert un panorama complet de la création urbaine actuelle : peinture, photographie, collage, installation, sculpture…

On a particulièrement remarqué une tendance à l’engagement, qu’il soit social, politique ou écologique. Plusieurs artistes ont utilisé leur medium pour interroger le monde qui nous entoure, entre poésie visuelle et dénonciation frontale. Le street art, fidèle à son ADN contestataire, continue d’être un miroir des tensions contemporaines.

Une fréquentation en hausse et un engouement renouvelé

Avec une fréquentation estimée à plus de 25 000 visiteurs sur quatre jours, cette édition 2025 confirme l’engouement croissant pour l’art urbain, longtemps marginalisé mais désormais pleinement intégré aux institutions artistiques. La présence accrue de collectionneurs et de professionnels témoigne aussi d’une reconnaissance du street art sur le marché de l’art, sans pour autant trahir son esprit libre et subversif.

Affluence : L’édition 2025 a rassemblé environ 100 artistes et 43 galeries issues d’une douzaine de pays, dont 25 exposaient pour la première fois ou revenaient après une absence. 

Profil des visiteurs : La foire attire chaque année des collectionneurs, des professionnels du marché de l’art et des amateurs.

Prix des œuvres : Les œuvres exposées varient en taille et en technique, avec des prix allant de quelques centaines à plusieurs dizaines de milliers d’euros, en fonction de la notoriété de l’artiste et de la complexité de l’œuvre.

2. La scène street art française bien représentée

L’édition 2025 de l’Urban Art Fair a rassemblé plusieurs figures majeures de l’art urbain français, confirmant ainsi son rôle central dans la scène street art hexagonale.

Les artistes emblématiques présents

Parmi les figures majeures de la scène française présentées lors de cette édition, on peut citer :

Invader : il a hacké la terre entière avec ses mosaïques inspirées du jeu Space Invaders.

Hopare : reconnu pour ses portraits réalistes et dynamiques mêlant lignes géométriques et couleurs vives.

« Ma sculpture en marbre est une tentative de figer la fragilité humaine dans un matériau éternel. Elle symbolise la tension entre la force brute et l’émotion intérieure » Hopare.

Cette pièce a marqué les visiteurs par son contraste entre la délicatesse des lignes et la robustesse du matériau. 

Maye : figure incontournable de la scène street art française. Originaire de Sète, il est reconnu pour ses personnages élancés et ses compositions oniriques mêlant poésie, humour et critique sociale.

Les talents confirmés et émergents

L’Urban Art Fair 2025 a également mis en lumière des artistes français confirmés et émergents, tels que :

Yann L’outsider dont le travail fusionne habilement les codes du graffiti et de l’abstraction contemporaine. Il explore des formes géométriques, des jeux de contrastes et des textures qui donnent à ses œuvres une dynamique visuelle forte et poétique. Son art, souvent réalisé in situ sur des murs ou des supports variés, questionne la place de l’écriture et du geste dans l’espace urbain comme dans les galeries. Il s’impose ainsi comme une figure singulière du street art, entre spontanéité et maîtrise graphique.

Nous pouvons également citer le travail de Gris1 qui se distingue par un univers visuel riche et coloré, combinant typographies “home made”, formes vectorielles et éléments figuratifs. Ses œuvres, véritables patchworks d’influences, oscillent entre naïveté enfantine et complexité graphique, reflétant une quête constante d’innovation et de liberté artistique.

Gris1, membre éminent du collectif Da Mental Vaporz (DMV), fondé en 1999, collabore avec des artistes tels que Bom.K, Brusk, Dran et Sowat pour créer des fresques monumentales mêlant graffiti, illustration et abstraction. 

Solo show

La galerie Outsiders de Rouen présentait un solo show. C’est le travail de Skio qui était mis en lumière avec une master pièce et des formats plus adaptés aux intérieurs de particuliers.  On retrouve dans ses œuvres ses études en design, son amour pour le Bahaus et son architecture, l’inscription du corps dans l’espace, le surréalisme… Tout en questionnant la perte d’identité dans notre génération. 

La galerie Prazowski a consacré une rétrospective à Kan/DMV, figure majeure du néo-pointillisme et membre du collectif Da Mental Vaporz, soulignant son influence sur la scène artistique contemporaine.

Cette édition a ainsi offert un panorama riche et diversifié de l’art urbain français, mêlant artistes établis et nouvelles figures, confirmant la vitalité de cette scène artistique.

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3. Les événements “off” de l’Urban Art Fair

Installations et expositions hors les murs

L’Urban Art Fair 2025 a présenté des installations artistiques en dehors du Carreau du Temple, permettant aux visiteurs de découvrir des œuvres dans l’espace public parisien. Ces initiatives visaient à rapprocher l’art urbain de son environnement d’origine et à offrir une expérience artistique accessible à tous.

Dans ce contexte, les galeries Lafayette ont accueilli l’installation colorée d’Arnaud Liard.

Conférences et projections

Des cycles de conférences ont été organisés, réunissant des artistes et des intervenants internationaux renommés pour discuter de l’évolution de l’art urbain, de son intégration dans le marché de l’art et de son impact culturel. Par ailleurs, des projections de courts-métrages ont été proposées, notamment en partenariat avec l’Urban Films Festival, mettant en lumière la diversité des pratiques et des modes de vie urbains. 

Performances en direct et rencontres

L’édition 2025 a également inclus des performances en direct, où les visiteurs ont pu assister à la création d’œuvres en temps réel, et des séances de dédicaces avec les artistes, favorisant ainsi des échanges directs entre le public et les créateurs.

Ces événements « off » ont permis de prolonger l’expérience de la foire au-delà des murs du Carreau du Temple, renforçant l’interaction entre l’art urbain et la ville de Paris.

L’Urban Art Fair, plus qu’une foire, un manifeste

Au-delà d’un simple salon, l’Urban Art Fair s’impose aujourd’hui comme un espace de dialogue, de découverte et de réflexion sur ce que peut (et doit) être l’art contemporain. En rassemblant des artistes de tous horizons et en valorisant une création urbaine riche et protéiforme, elle continue d’écrire l’histoire d’un mouvement en perpétuelle évolution.

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Lorsqu’il s’agit d’organiser une soirée d’entreprise ou un lancement de produit mémorables, les idées originales sont toujours les bienvenues. Et si vous plongiez vos collaborateurs et clients dans une expérience artistique unique ?! Le live painting street art est une animation aussi surprenante que captivante, capable de transformer une soirée professionnelle en un événement marquant.

1. Qu’est-ce que le live painting street art ?

L’art de marquer les esprits

Le live painting, littéralement « peinture en direct », consiste à voir un artiste réaliser une œuvre en temps réel, sous les yeux du public. Lorsqu’on y ajoute une touche street art, on entre dans un univers visuel puissant, urbain, coloré, parfois engagé, et toujours expressif. L’artiste improvise ou suit un thème prédéfini, en travaillant avec des bombes de peinture, marqueurs ou pinceaux, et donne vie à une fresque artistique sous le regard des invités.

2. Pourquoi proposer un live painting street art à vos clients ?

Le live painting street art peut-être réalisé pour un  lancement de produit, une soirée d’entreprise ou de gala, une inauguration, un salon professionnel ou un séminaire interne.

Une animation à fort impact visuel qui crée de l’émotion et du lien

Intégrer un live painting à une soirée d’entreprise, c’est proposer bien plus qu’une simple animation. C’est offrir une expérience immersive qui stimule la curiosité, suscite l’émerveillement et invite à l’échange. Les collaborateurs assistent à la naissance d’une œuvre unique, parfois participent eux-mêmes à quelques coups de pinceau, et partagent un moment fédérateur hors du cadre habituel.

Ce type d’animation fonctionne à merveille pour briser la glace lors d’un cocktail, dynamiser un lancement de produit ou encore ponctuer un discours ou une remise de prix. L’artiste crée une œuvre en temps réel, inspirée de votre produit, de votre histoire, de votre univers de marque, de vos valeurs, de votre logo… Pour renforcer l’impact de l’événement ! L’attention est instantanée et les émotions sont au rendez-vous.

Un contenu artistique sur-mesure pour un storytelling vivant

Votre message prend forme sous les yeux de vos invités. L’œuvre devient une interprétation artistique de votre identité de marque. Chaque prestation est personnalisée : logo, valeurs, produit, message clé. Le résultat ? Une œuvre unique, créée autour de l’univers du client, qui prolonge la communication bien au-delà de l’événement.

Un événement qui devient une expérience immersive et fédératrice

Le live painting transforme votre soirée d’entreprise en une expérience immersive et artistique. C’est bien plus qu’une simple animation : c’est un vecteur d’émotions, une manière originale d’incarner votre message, et un moment que vos invités associeront à votre marque. Certains formats permettent même une participation directe : parfait pour créer du lien entre les invités ou les collaborateurs.

Un souvenir artistique personnalisé comme support de com’ post-événement

L’un des grands avantages du live painting est qu’il laisse une trace tangible, un souvenir physique. L’œuvre créée peut être conservée dans les locaux de l’entreprise, exposée dans une salle de réunion, lors de salons ou même reproduite en miniatures à offrir aux participants. Une fresque ou une toile créée lors de l’événement devient un objet de communication durable : c’est un souvenir à la fois original et artistique qui prolonge l’expérience bien après la soirée. Photos, vidéos, reels, teasers… Le live painting génère du contenu engageant et facilement réutilisable.

Une logistique simple

Pas besoin de scène ou de matériel complexe : un mur, une toile ou un panneau suffisent. Nous gérons la coordination artistique et technique, vous gardez le contrôle total du planning.

Un contenu à forte viralité

Parfait pour enrichir vos réseaux sociaux, votre presse événementielle ou vos vidéos de lancement. L’effet « waouh » est garanti. C’est aussi un excellent prétexte pour les photos, les vidéos et le contenu à diffuser sur vos réseaux sociaux : la performance devient un outil de communication en soi.

Découvrez tous nos projets de live painting

3. Comment organiser un live painting réussi ?

Pour garantir l’effet, il est essentiel de bien choisir l’artiste et de définir en amont les contours de l’animation:

Un concept sur mesure pour votre marque

Le live painting est une animation 100 % personnalisable :

Thématique : storytelling produit (innovation, écologie, énergie, audace), valeurs de la marque, ADN, événement marquant, message interne.

Style graphique : abstrait, figuratif, typographique… selon l’identité de l’entreprise.

Formats : toile grand format, mur mobile, objets à peindre (packaging géant, mobilier…)

Participation : performance d’un artiste et/ou participative avec vos collaborateurs, invités à ajouter leur touche, même symboliquement (version participative possible pour team-building).

L’œuvre créée peut être conservée comme un souvenir emblématique de ce lancement. Elle pourra être exposée dans vos bureaux, dans un showroom ou lors de futurs salons professionnels.

Durée : de 45 min à 3 h selon le rythme de votre soirée

L’intégration logistique est aussi à prendre en compte : emplacement, protection des sols, ventilation, éclairage valorisant l’artiste en action…

4. Pour qui organiser un live painting street art ?

Le live painting street art est une animation adaptable, ce qui lui permet de séduire un large éventail d’entreprises, surtout celles qui cherchent à sortir des sentiers battus et à valoriser leur image de manière créative.

Pour les entreprises avec une image dynamique

L’animation live painting street art est pertinente pour refléter une image dynamique, audacieuse, avant-gardiste pour les marques innovantes ou créatives (startups, entreprises tech, applications mobiles, design, mode, cosmétiques, agences de communication)

Et une communication moderne

Le street art donne une dimension événementielle moderne et mémorable aux grands groupes ou ETI souhaitant marquer un moment fort pour un lancement de produit, fusion, anniversaire, séminaire…

Qui souhaitent matérialiser un changement

Le live painting permet de matérialiser le changement de manière artistique et symbolique pour les entreprises en pleine transformation ou rebranding (nouveau positionnement, nouvelle offre, changement d’identité visuelle…)

Et incarner des valeurs fortes

Le street art, souvent porteur de messages, peut incarner des valeurs fortes (diversité, durabilité, engagement) pour des entreprises ayant une forte culture RSE (marques éthiques, écoresponsables, inclusives)

Pour célébrer un lancement de produit

C’est une animation idéale en boutique, en centre commercial pour une opération de lancement produit, une collection pour les enseignes orientées retail (marque de prêt-à-porter, enseignes lifestyle, grande distribution).

Ou affirmer son identité

Mais aussi les acteurs du secteur événementiel et touristique (agences événementielles, hôtellerie, lieux de réception, villes ou festivals)

Découvrez nos live painting en vidéo

Différenciez vos événements en proposant à vos clients une animation originale, interactive et mémorable !

Le live painting street art est bien plus qu’une animation tendance : il valorise l’image de marque, engage les publics et dynamise les événements. C’est un moyen audacieux de fédérer les équipes autour d’une création commune et de marquer durablement les esprits.

Le live painting street art devient un élément d’attractivité autant qu’un outil de communication artistique qui convient à toute entreprise souhaitant marquer les esprits, insuffler de la créativité à leurs événements et créer du lien avec ses publics internes et externes.

Contactez-nous pour intégrer un live painting street art à votre prochain lancement produit ou séminaire. Nous concevons une animation sur mesure, en lien avec votre culture d’entreprise et vos objectifs.

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Vous êtes constamment à la recherche de solutions pour améliorer la qualité de vie au travail, dynamiser les relations interpersonnelles ou renforcer le sentiment d’appartenance ?  Dans un monde professionnel en constante évolution, fédérer ses équipes est plus qu’un besoin, c’est un levier de performance. Si les séminaires classiques ont longtemps occupé le terrain, les entreprises cherchent aujourd’hui des formats plus vivants, plus créatifs, plus humains. C’est dans cette dynamique que le team building street art s’impose comme une expérience originale, engageante et résolument fédératrice.

1. Fédérer ses équipes autrement : l’expérience unique du team building street art

Sortir du cadre, littéralement

Le monde du travail est souvent structuré, balisé, hiérarchisé. Le street art, lui, est l’espace de tous les possibles. En participant à une œuvre collective, chacun ose s’exprimer, sortir de sa zone de confort, expérimenter sans peur du jugement. C’est un terrain d’expression inclusif où la hiérarchie s’efface au profit du collectif.

Le street art, par essence, casse les codes. Il s’exprime dans l’espace public, avec audace, spontanéité et une vraie dimension collective. Proposer un atelier de graffiti à vos collaborateurs, c’est leur offrir un moment hors du temps… Et hors des murs! Loin des salles de réunion, chacun découvre un terrain neutre où les statuts s’effacent. Peu importe qu’on soit stagiaire ou manager : bombe à la main, tous sont égaux face à la toile ou au mur. Cela crée une bulle de liberté, propice à la collaboration et à la créativité.

Une activité inclusive, sans pré-requis

Pas besoin de savoir dessiner pour participer. L’atelier d’initiation au street art, encadré par des artistes, permet à chacun de s’exprimer à son rythme, dans un cadre bienveillant. Il met tous les collaborateurs sur un pied d’égalité, quelles que soient leurs fonctions ou leur ancienneté.

Parce que la créativité casse les barrières : libérer l’expression et la cohésion

Les participants découvrent les codes du street art, apprennent à manier les outils, puis co-créent une œuvre collective. Résultat ? Un véritable vecteur de communication non verbale, où l’on s’écoute autrement, où l’on se comprend par le geste, le style, l’intention.

Ce travail de co-création renforce l’écoute, la confiance et l’intelligence collective. Il permet à chacun de s’exprimer autrement que par des mots ou des objectifs, et développe une fierté d’appartenance forte autour d’un projet esthétique et symbolique.

Un souvenir commun, visuel… Et durable !

Le team building street art a cet avantage rare : il laisse une trace ! Que ce soit une fresque collaborative exposée dans les locaux de l’entreprise, ou des photos/vidéos de l’événement, l’expérience continue à vivre après l’atelier. C’est une fierté d’équipe, une mémoire visuelle, un emblème de ce que l’on peut construire ensemble. C’est un moyen puissant de renforcer l’identité de l’équipe, d’ancrer des messages de manière visuelle, tout en valorisant l’implication de chacun.

Un format adaptable à toutes les équipes

Débutant ou initié, jeune startup ou grand groupe, en intérieur ou en extérieur : les formats sont multiples et s’adaptent à tous les profils. En deux heures, une demi-journée ou sur plusieurs sessions, en petit comité ou en grand format, l’expérience se module en fonction des besoins et de la culture de l’entreprise.

Qui révèle les talents cachés 

Créativité, écoute, collaboration, prise d’initiative… Ce type d’atelier révèle des qualités humaines parfois invisibles dans un cadre de travail classique. C’est un excellent outil RH pour valoriser les talents, renforcer la fierté d’appartenance et la co-construction.

On a tous des compétences que notre job ne révèle pas. Ce collègue discret a peut-être un vrai sens du dessin. Cette manager a un sens des couleurs étonnant. Le street art révèle d’autres facettes des personnalités, valorise les individualités et enrichit la dynamique de groupe.

2. Concrètement, comment ça se passe ?

Un format qui s’adapte à vos objectifs RH

Un team building street art peut prendre différentes formes :

. Une découverte d’un quartier parisien pour comprendre la culture, ses codes et ses valeurs. Après cette introduction, s’en suit une initiation au graffiti : apprentissage des techniques, lettrage, remplissage, contours… Pour la création d’une fresque collaborative autour d’un thème d’entreprise : vos innovations et vos valeurs mis en images avec les couleurs de votre charte graphique, réalisés par vos équipes, dans les rues de Paris. 

. Une performance live avec un artiste urbain que les équipes assistent ou co-construisent lors d’une soirée d’entreprise par exemple. 

. Des objets personnalisés (totebags, tee-shirts, skates…) customisés par chaque participant qui repartent avec un souvenir tangible de cette expérience artistique.

Et toujours, dans une ambiance conviviale, encadrée par des artistes expérimentés et pédagogues.

Découvrez le contenu et le déroulé de nos team building street art !

3. Les bénéfices en entreprise : bien plus qu’un simple atelier créatif

Une décompression collective qui améliore la communication et renforce la cohésion

C’est un moment de décompression collective qui valorise les collaborateurs : rien de tel que de lâcher prise en taguant un mur où chaque trace laissée est une contribution à une oeuvre collective.

Une culture d’entreprise affirmée

Le street art est né dans la rue, mais il trouve toute sa place en entreprise, à condition de respecter son esprit : authenticité, expression, liberté. Les points communs entre les valeurs de la culture Hip Hop et celles de la culture d’entreprise sont nombreux : écoute, entraide, respect, communication, cohésion d’équipe, dépassement de soi… Intégrer cette culture dans un moment de team building, c’est montrer à vos équipes que l’entreprise est moderne et sait sortir des sentiers battus.

Le team building street art renforce les liens interservices, développe l’intelligence collective, prévient des risques psychosociaux par la libération émotionnelle, joue sur l’attractivité employeur (avec une culture d’entreprise vivante et moderne) et améliore le climat social et la motivation au sein de vos équipes.

4. Ils en parlent mieux que nous

Témoignages

« Super expérience avec une équipe au top. Hugo et son équipe ont été formidables. Que ce soit pour la conception, le choix de l’artiste qui nous a accompagné ou ses explications passionnantes avant la performance, c’était un moment exceptionnel pour l’équipe. Tout le monde a appris beaucoup de choses dans un cadre très cool avec une équipe géniale. Je ne peux que chaleureusement recommander Background Paris. »

— Marc-Antoine R., Responsable de label, industrie musicale

« Dans le cadre d’un team building, Hugo et son équipe nous ont fait découvrir leurs univers ! Une superbe approche, une connaissance… Ou plutôt une bible sur le sujet ! Je recommande très fortement leur service.  »

— Krishnen M. Manager, industrie sportive

« Moment incroyable de découverte en équipe ! On comprend mieux les subtilités du monde du Graffiti. Génial de pouvoir s’y essayer aussi, même sans expérience on peut faire de belles choses. Je regarde désormais la rue avec un oeil plus affuté et curieux ! Un immense merci à la team Background.  »

— Pierre C. Manager, commerce de détail d’habillement et accessoires de mode

Découvrez tous les autres témoignages !

Le team building street art n’est pas un simple atelier créatif. C’est une expérience collective forte, où chacun retrouve le goût du geste, du partage, du faire ensemble. C’est une parenthèse visuelle et émotionnelle qui soude les équipes, stimule la créativité et fait souffler un vent d’audace sur la culture d’entreprise. C’est une expérience visuellement marquante et profondément humaine qui permet de fédérer, de s’exprimer et créer.

L’atelier d’initiation au street art est un puissant outil RH créatif et inclusif pour créer du lien, développer l’engagement, valoriser vos collaborateurs et ancrer votre culture d’entreprise de manière concrète et durable. Alors, prêt à laisser une vraie empreinte dans votre stratégie RH en offrant à vos équipes une parenthèse artistique et collective inoubliable ?

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Les métiers autour de l’art urbain englobent un large écosystème impliquant l’économie culturelle, l’urbanisme, le design, le marketing, la communication et les nouvelles technologies.

L’art urbain est un domaine en pleine expansion regroupant un large éventail de métiers qui interviennent à différentes étapes de la création, de la production, de la promotion, de la conservation, de la médiatisation et du commerce des œuvres. L’intérêt croissant pour le street art ouvre de nouvelles perspectives professionnelles.

1. L’essor des commandes publiques et privées

Les villes, entreprises et institutions commandent de plus en plus d’œuvres d’art urbain pour embellir l’espace public, valoriser des quartiers ou renforcer leur image de marque.

Artiste urbain

Les artistes conçoivent et réalisent des œuvres dans l’espace public (graffiti, fresques, installations, collages, pochoirs), peuvent travailler de manière illégale ou avec des commandes institutionnelles et privées. Grâce à la maîtrise de différentes techniques artistiques ils s’adaptent à divers supports (murs, sols, mobilier urbain).

Fabricant et distributeur de matériel de street art

Ils fournissent des bombes de peinture, marqueurs, encres, caps et autres outils spécifiques. Ils développent des produits adaptés aux besoins des artistes urbains. Pour les shops parisiens, on retrouve le 75 shop, Génération 400 ml ou Sprayer qui distribuent des marques comme Montana, Loop ou Flame.

Curateur de projets urbains

Coordonnent les artistes, les urbanistes et les collectivités. Le curateur conçoit et pilote des projets d’art urbain en collaboration avec des municipalités ou des entreprises. Il gère les autorisations administratives pour l’installation d’œuvres.

Architecte et urbaniste intégrant le street art dans l’aménagement urbain.

Ils travaillent à l’aménagement des villes en intégrant l’art urbain dans l’architecture et le mobilier urbain pour revitaliser une zone. Ils collaborent avec des urbanistes et des collectivités pour réhabiliter des quartiers via le street art.

Restaurateur et conservateur 

L’art urbain, initialement éphémère, est de plus en plus préservé, notamment pour des œuvres d’artistes reconnus comme Banksy ou Invader. Les restaurateurs utilisent des techniques spécifiques pour protéger contre le temps et les dégradations afin de restaurer des œuvres réalisées sur des murs, des panneaux ou des bâtiments. Ils développent des solutions pour préserver les œuvres sans altérer leur authenticité.

Juriste spécialisé en droit de l’art urbain

Ils conseillent les artistes sur les questions de droit d’auteur, de propriété intellectuelle et de reproduction de leurs œuvres. Les juristes aident aussi à régulariser des œuvres réalisées dans l’espace public et à obtenir des autorisations légales. Ils travaillent avec des galeries, des musées et des municipalités pour encadrer la vente et l’exposition d’œuvres de street art.

Designer en projection / mapping urbain

La technologie de projection vidéo permet de transformer les façades de bâtiments en œuvres d’art. De nombreuses villes utilisent cette ces animations numériques projetées pour embellir leurs espaces publics et animer leurs événements. Ces designers collaborent avec des urbanistes, des festivals et des marques pour créer des expériences immersives.

Le projet “Street Art City” en France a transformé un ancien centre de formation en un espace d’exposition permanente, générant des emplois artistiques et touristiques.

2. L’essor des festivals, foires et événements de street art

Les festivals de street art se multiplient dans le monde entier (POW! WOW! à Hawaï, MURAL à Montréal, Peinture Fraîche à Lyon…) et génèrent la création d’emplois divers.

Organisateur d’événements culturels

Ils mettent en place des festivals dédiés à l’art urbain, sélectionnent les artistes et gèrent la programmation, les performances en direct et le financement. Ces organisateurs travaillent avec des sponsors et des institutions culturelles.

Médiateur culturel

Le travail des médiateurs est essentiel pour sensibiliser, faire le lien entre les artistes, les institutions et le public. Pour animer des ateliers et des conférences sur l’art urbain ou pour sensibiliser les habitants à l’impact et à la valeur de l’art urbain.

Graphiste et designer

Utilisent les codes visuels du street art pour créer des identités graphiques, logos pour la communication visuelle des événements. Ils collaborent avec des marques pour intégrer des éléments d’art urbain dans leurs campagnes.

Responsable communication et relations presse

Le RP s’occupe de la promotion et la médiatisation d’artistes urbains, d’événements ou d’expositions. Il élabore des stratégies de communication pour mettre en avant des projets artistiques, travaille avec des médias spécialisés, des blogs, des influenceurs et des journalistes.

Photographe et vidéaste spécialisé

Ils documentent les œuvres de rue pour les archiver ou les promouvoir. Ils réalisent des reportages sur des artistes et des événements d’art urbain et produisent du contenu pour les réseaux sociaux, les magazines et les galeries.

Producteur de documentaires et films sur l’art urbain

Le producteur réalise des films et documentaires qui explorent la culture street art et ses figures emblématiques. Il participe à la diffusion et à l’archivage du street art à travers des productions audiovisuelles. Il s’associe avec des plateformes comme Netflix, Arte, YouTube pour sensibiliser le public à l’art urbain. Ces films sont aussi présentés dans des festivals de films d’art urbain comme l’Urban Films Festival (à Paris depuis 2014)

3. Le marché de l’art urbain et la monétisation des œuvres

Les œuvres de street art sont de plus en plus vendues en galeries, aux enchères ou sous forme de produits dérivés.

Galeriste et marchand d’art spécialisé

Le galeriste représente et vend les œuvres d’artistes urbains dans des galeries ou lors de foires. Il développe le marché de l’art urbain en collaborant avec des collectionneurs et prend à sa charge la diffusion et la mise en valeur d’œuvres street art. Les galeries françaises comme Brugier-Rigail (Paris), la galerie At Down (Montpellier) ou Itinérance rayonnent à l’international.

Découvrez les oeuvres de la galerie en ligne Background Paris.

Maison de ventes aux enchères 

Elles organisent des ventes privées ou publiques d’œuvres issues de la scène street art. Ces ventes sont orchestrées par un commissaire priseur qui travaillent en lien avec les artistes, les galeristes, les collectionneurs pour la valorisation et l’authentification des œuvres vendues. Parmi les plus connues, nous pouvons citer Artcurial, Sotheby’s, Christie’s ou Pierre Bergé & Associés.

Expert en authentification et certification d’oeuvres de street art

L’expert identifie et authentifie les œuvres d’artistes urbains, souvent dans un contexte où elles sont éphémères ou non signées. Il détermine la valeur des œuvres pour des ventes aux enchères ou des collections privées.

Analyste du marché du street art et conseillers en investissement

Le street art est devenu un véritable marché spéculatif, avec des ventes aux enchères record pour certains artistes. Les conseillers analysent les tendances du marché du street art pour conseiller des investisseurs. Ils évaluent les œuvres en fonction de la notoriété de l’artiste et de leur rareté.

Commissaire d’exposition en art urbain

Il organise et supervise des expositions d’art urbain dans des galeries, musées ou festivals. Il fait la sélection des artistes et des œuvres, collabore avec des institutions culturelles et des mécènes et communique sur l’exposition. Le commissaire d’expo s’occupe aussi des ventes et des expéditions des oeuvres. Nous pouvons citer Hugo Vitrani et son travail sur les expositions graffti au sein du Palais de Tokyo.

Scénographe spécialisé en art urbain

Conception et mise en place de la scénographie d’exposition d’art urbain en galerie, musée ou espace public. Le scénographe travaille sur l’agencement des œuvres dans un environnement donné, en jouant sur la lumière, les matériaux et la mise en espace.

Organisateur de foires d’art urbain

Chaque année, les foires d’art urbain regroupent les galeries les plus prestigieuses pour présenter le travil des artistes qu’ils défendent. Ces foires permettent aux artistes, collectionneurs, galeristes et amateurs d’art de se rencontrer et d’échanger. Ces événements participent à la reconnaissance et à la valorisation de ce mouvement. Ils offrent une légitimité à l’art urbain en l’intégrant au marché de l’art contemporain. Parmi les principales foires d’art urbain, on retrouve l’Urban Art Fair à Paris (organisée par Yannick Boesso, chaque année depuis 2016, au carreau du temple), Moniker Art Fair à Londres ou Beyond the Streets à Los Angeles et New-York.

Collectionneur d’art urbain

Le collectionneur achète et revend des œuvres d’artistes urbains. Il constitue une collection privée ou publique et participe à la valorisation et la reconnaissance de l’art urbain dans le marché de l’art.

Agent artistique

Il gère la carrière d’un ou plusieurs artistes urbains, négocie les contrats, trouve des opportunités et encadre la communication. Il assure le bon développement de la notoriété des artistes.

Journaliste et critique d’art

Analysent et commentent les tendances et les œuvres d’art urbain. Publient des articles, des livres ou animent des podcasts sur le sujet. Ils participe à des débats et conférences sur l’évolution de l’art urbain. Les magazines comme Graffiti Art magazine, Urban Arts magazine ou Stuart magazine dominent les rayons des librairies.

Éditeur et imprimeur

Publication de livres, catalogues et magazines spécialisés sur l’histoire et l’évolution de l’art urbain.Ils document les travaux d’artistes, les tendances et l’impact culturel du street art, réalisent des interviews, des essais critiques et des anthologies sur le mouvement. Vous pouvez retouver ces ouvrages dans des librairies spécialisées comme Le Grand Jeu à Paris.

Fabricant d’affiches, sérigraphe et lithographe

Reproduisent les œuvres de street art sur des supports imprimés, en collaboration avec des artistes qui souhaitent proposer des oeuvres multiples (en éditions limitées).

Archiviste et documentaliste

Ils recueillent et conservent des documents (photos, vidéos, articles, témoignages) sur l’évolution du street art. Ils travaillent avec des bibliothèques, musées et plateformes en ligne pour référencer les œuvres. Et participent à la préservation d’un patrimoine artistique souvent éphémère.

4. L’intégration du street art dans la publicité et le marketing

Les marques utilisent le street art pour toucher un public jeune et urbain, via des campagnes inspirées du graffiti et du muralisme.

Street marketer et agence spécialisée en communication urbaine

Ils utilisent les codes du street art pour concevoir des campagnes publicitaires innovantes dans l’espace public. Ils peuvent travailler sur des collages, affichages créatifs, graffiti temporaire pour promouvoir une marque ou un événement. Souvent en collaboration avec des artistes pour donner une crédibilité artistique aux campagnes.

Graphiste et directeur artistique inspirés par l’art urbain

Les graphistes développent l’identité visuelle d’un événement ou d’une marque en s’appuyant sur l’art urbain. Les directeurs artistiques définissent une vision et encadrent des artistes pour créer des œuvres cohérentes avec une ligne éditoriale.

Community manager et influenceur spécialisés en street art

Les CM animent des comptes sur les réseaux sociaux dédiés à l’art urbain. Ils partagent du contenu (photos, interviews, vidéos) pour promouvoir les artistes et événements. Et travaillent avec des marques et des galeries pour valoriser l’art urbain en ligne.

Créateur d’objets dérivés en éditions limitées

De plus en plus d’artistes urbains cherchent à monétiser leur travail en vendant des éditions limitées et des objets de collection. Ces créateurs d’objets collaborent avec les artistes pour transformer leurs œuvres en sérigraphies, figurines, stickers, vêtements, skates… Ils prennent en compte la production, la communication et la logistique de ces produits.

Nike, Adidas et Red Bull ont utilisé des fresques murales et des collaborations avec des artistes de rue pour leurs campagnes marketing.

5. L’essor des nouvelles technologies et du street art numérique

L’art urbain ne cesse d’évoluer et de se réinventer avec les nouvelles technologies et les mutations du marché de l’art. Ces nouveaux métiers montrent que le street art n’est plus seulement une expression spontanée sur les murs des villes, mais aussi une discipline qui fusionne avec le digital, les NFTs,  la réalité augmentée et la réalité virtuelle  pour s’ouvrir de nouvelles opportunités.

Street art numérique, réalité augmentée et NFT

Il s’agit de la création d’œuvres visibles à travers des applications mobiles en réalité augmentée. Ces artistes fusionnent le digital avec l’espace urbain pour proposer des expériences interactives. Ils expérimentent avec la projection mapping, le QR code et d’autres technologies pour animer des fresques ou installations urbaines.

L’art numérique et les NFT (Non-Fungible Tokens) ont explosé, offrant aux artistes urbains de nouvelles manières de monétiser leurs œuvres et de les rendre interactives. Placer une œuvre sur la blockchain sous forme de NFT permet d’assurer son authenticité et sa traçabilité. Les artistes expérimentent la vente directe de leur oeuvre numérique via des plateformes de marketplace comme SuperRare, OpenSea ou Foundation.

Créateur de street art en VR (réalité virtuelle)

Avec l’essor du métavers et des expériences immersives, le street art trouve une nouvelle dimension dans des espaces virtuels. On participe à des projets où le street art fusionne avec des mondes numériques et interactifs en créant des œuvres de street art en 3D visibles dans des environnements de réalité virtuelle.

6. Le développement du tourisme culturel et des visites guidées

Guide spécialisé en street art 

Les villes comme Berlin, Londres ou Lisbonne sont devenues des destinations de street art, attirant un public de passionnés. Avec l’essor du tourisme alternatif, de nombreux guides spécialisés proposent des visites guidées dans des villes où l’art urbain est important. Ces guides partagent l’histoire des œuvres, les anecdotes sur les artistes et les techniques utilisées.

Rejoignez nos team building street art pour découvrir Paris via l’angle de l’art urbain et fédérer vos équipes avec une initiation au street art !

7. L’influence sociale et éducative de l’art urbain

L’art urbain est utilisé comme outil d’éducation et d’inclusion sociale, notamment auprès des jeunes.

Responsable de projets éducatifs en art urbain

Les intervenants en art urbain dans les écoles mettent en place des projets sociaux intégrant l’art urbain comme outil d’expression et d’inclusion. Ils animent des ateliers d’initiation auprès de jeunes, de populations en difficulté ou de publics spécifiques (écoles, prisons, hôpitaux…)

Pour intégrer ce marché de l’art en mutation, vous pouvez vous tourner vers des études d’Histoire de l’art, de marché de l’art, de droit, de marketing, de communication, d’événementiel, de graphisme, d’architecture… Les portes d’entrées vers cet écosystème sont nombreuses !

L’art urbain est un domaine créateur d’emplois :

Il touche de nombreux secteurs : culture, urbanisme, commerce, tourisme, éducation, digital…

S’adapte aux nouvelles tendances : NFT, VR, street marketing, art engagé…

Attire un large public : municipalités, entreprises, collectionneurs, touristes…

Et génère des revenus diversifiés : ventes d’œuvres, événements, collaborations, digitalisation…

L’art urbain n’est plus une simple expression spontanée, mais un véritable levier économique qui continue de créer des emplois et d’évoluer avec la société.

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Une agence street art est une structure professionnelle spécialisée dans l’accompagnement et la promotion d’artistes de street art, tout en facilitant l’intégration de l’art urbain dans des projets qu’ils soient privés ou publics. L’objectif principal d’une agence street art est de mettre en valeur l’art urbain et de le connecter à des demandes commerciales, culturelles ou institutionnelles.

Les agences jouent un rôle dans l’organisation d’événements et l’élaboration de projets artistiques pour des clients (tels que des entreprises, des municipalités ou des marques).

Concrètement, quels sont les rôles et fonctions d’une agence street art ?

Représentation et gestion d’artistes

Les agences street art servent souvent de représentants pour les artistes urbains, en assurant la gestion de leur carrière et en leur offrant une plateforme pour se développer dans un environnement professionnel. Elles négocient des contrats, gèrent les droits d’auteur, et supervisent les ventes d’œuvres d’art.

En tant qu’intermédiaires, elles permettent aux artistes une pratique artistique légitime et rémunérée comme l’organisation d’expositions ou des performances. Les agences se chargent également de la promotion des artistes à travers des réseaux sociaux, des relations publiques, des publications…

Création, organisation et réalisation de projets

Les agences peuvent être chargées de créer et de coordonner des projets de street art pour des entreprises, qu’il s’agisse de fresques murales, de performances artistiques (live painting), d’ateliers d’initiation (team building)…

⇨ Réalisation de fresques murales

L’agence travaille avec des entreprises pour transformer un bâtiment ou un espace de travail en une œuvre d’art. Elle choisit les artistes, budgétise le projet, supervise la création et la mise en place des œuvres tout en s’assurant que le travail respecte les attentes créatives et commerciales du client.

Découvrez nos réalisations de fresques murales : https://www.background.paris/realisations/

⇨ Performances artistiques

Pour inaugurer un espace, dynamiser une soirée d’entreprise ou appuyer un lancement de produit avec un custom artistique, un artiste est inviter à réaliser une oeuvre en direct, tout en jouant sur l’identité graphique et les valeurs de l’entreprise.

Pour en savoir plus sur nos live painting : https://www.background.paris/realisations/

⇨ L’organisation de team building 

Pour renforcer la cohésion d’équipe, developper la créativité et la communication au sein d’un groupe d’entreprise, le graffiti est un vecteur puissant de dépassement de soi. Passez de témoin à acteur !

Plongez dans l’univers créatif de nos team building : https://www.background.paris/realisations/

Partenariats avec des marques et entreprises

De plus en plus d’entreprises et de marques cherchent à associer leur image à l’énergie, la créativité et l’authenticité du street art. Le street art étant un art populaire et moderne, de nombreuses entreprises cherchent à intégrer le street art dans leur stratégie de communication, à l’utiliser pour des campagnes de communication ou de branding. Une agence peut être appelée à :

⇨ Organisation des campagnes de communication visuelles 

Le street art est utilisé comme un moyen de capturer l’attention d’un public jeune, urbain et créatif. La publicité peinte est toujours plus impactante qu’une bâche !

⇨ Création d’œuvres uniques pour des espaces commerciaux 

Des boutiques, restaurants, hôtels peuvent faire appel à une agence pour customiser leurs murs avec des œuvres de street art, créant ainsi une ambiance unique, jouant sur leur identité graphique, leur histoire, leurs valeurs…

⇨ Collaboration avec une marque

Pour une marque, faire appel à une agence de street art c’est  avoir la possibilité sur plusieurs aspects. Nous pouvons agir sur l’image de marque (communication), l’humain (team building), le lieu (fresques murales), l’événement (live painting) et le produit (collaboration, custom artistique, personnalisation de produits).

Une marque de mode peut aussi collaborer avec un street artiste pour concevoir une série limitée d’articles avec des œuvres d’art emblématiques, permettant ainsi à la marque de se connecter avec une clientèle jeune et créative.

Découvrez les collaborations textiles avec les artistes de l’équipe Background : https://backgroundparis.shop/pages/packs-artistes

Organisation d’événements culturels

Les agences street art organisent des événements culturels pour promouvoir le mouvement et donner aux artistes une plateforme pour s’exprimer. Cela peut inclure des :

⇨ Festivals de street art et jams

Plusieurs artistes peignent en live devant un public. Ces événements peuvent avoir une dimension pédagogique et interactive, permettant aux spectateurs de découvrir le processus créatif des artistes.

Plongez au coeur des jam célébrant chaque année l’anniversaire de l’agence Background Paris : https://www.background.paris/realisations/

⇨ Expositions

Dans des galeries ou des espaces publics qui offrent une visibilité à l’art urbain dans un cadre plus institutionnel.

⇨ Médiation culturelle et ateliers d’initiation

Certaines agences sont également impliquées dans des projets éducatifs et participatifs. Elles organisent des ateliers de street art pour les jeunes ou les communautés, permettant aux participants de découvrir l’histoire et les techniques du graffiti. Cela contribue à démocratiser l’art de rue et à le rendre accessible à un plus large public.

⇨ Projet urbain pour une ville

Une agence peut aussi être mandatée par une municipalité pour réaménager et revitaliser une zone urbaine grâce à la culture.

C’est le cas du 13eme arrondissement de Paris qui s’est transformé en musée à ciel ouvert avec le travail de la galerie Itinerance qui a crée un parcours de murals à travers le quartier.

Vous pouvez retrouver les réalisations du projet Boulevard Paris 13 via ce lien : https://itinerrance.fr/hors-les-murs/boulevard-paris-13/

L’origine des agences de street art

Les premières agences street art sont apparues dans les années 2000. Cela s’explique par le boom du marché de l’art urbain et l’essor du street art dans le monde de l’art institutionnel. Beaucoup d’artistes urbains qui travaillaient de manière indépendante, ont vu leur art reconnu et intégré dans des expositions de galeries ou de musées. Cela a nécessité la création de structures professionnelles pouvant assurer la gestion professionnelle de leur travail, la promotion de leur œuvre et la gestion de leur calendrier de production.

Ainsi, ces agences ont commencé à se positionner comme des intermédiaires entre les artistes de rue et les clients commerciaux ; Tout en offrant aux artistes une plateforme pour se faire connaître dans un cadre professionnel.

Pourquoi une agence de street art est-elle nécessaire ?

Le street art, bien que profondément enraciné dans la culture urbaine et souvent vu comme un acte de résistance ou de rébellion. Ce mouvement a évolué pour devenir un art largement respecté et reconnu. Cependant, cet art a souvent besoin de légitimité et de structure pour être mieux intégré dans des espaces commerciaux et institutionnels. C’est là que l’agence intervient !

Une agence street art combine à la fois des compétences en gestion artistique, en marketing, en production de projets urbains et en communication. Elle permet aux artistes urbains de se professionnaliser tout en créant des projets qui transforment l’espace public, attirent une diversité de publics, allant des amateurs d’art aux grandes entreprises. C’est un secteur dynamique, en constante évolution, qui permet de fusionner l’art et la ville de manière innovante. 

Les agences françaises se sont organisées et spécialisées. Ces strcutures se différencient par leurs sensibilités artistiques propres et des cibles différentes (particuliers, entreprises ou municipalités).

Les agences permettent aux artistes de vivre de leur art tout en favorisant une reconnaissance et une acceptation du street art dans des contextes commerciaux, culturels et publics. Une agence street art est à la croisée des chemins entre l’art urbain, l’entreprise, la culture populaire et la société.

Curieux d’en savoir plus ? Rendez-vous sur https://www.background.paris

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