L’exposition Futura 2000 dans la collection agnès b. se tient actuellement à La Fab., l’espace culturel fondé par agnès b. dans le 13ᵉ arrondissement de Paris. Cette rétrospective immersive retrace 40 années de création de l’artiste à travers 60 œuvres issues de la collection personnelle d’agnès b. : des toiles emblématiques, des sculptures, des archives rares… On ne pouvait qu’être curieux de découvrir ce que cette nouvelle collaboration entre ces deux univers visionnaires allait produire.

QUI EST FUTURA 2000 ?

Futura 2000, de son vrai nom Leonard Hilton McGurr, est une légende vivante dans le monde de l’art urbain. Pionnier du graffiti new-yorkais et précurseur emblématique du graffiti abstrait dès les années 70,
Futura a réussi à transcender les frontières du graffiti. Dès les années 80, il expose dans des galeries à New York (comme la Fun Gallery) et en Europe aux côtés de Jean-Michel Basquiat, Keith Haring ou Rammellzee. Il devient l’un des rares artistes issus du graffiti à être rapidement reconnu dans le monde de l’art contemporain.

« Le graffiti était une façon pour moi d’exister. Je voulais que le monde connaisse mon nom. Je voulais être quelqu’un » Futura 2000 

Mais Futura ne suit pas les codes traditionnels du graffiti : là où d’autres se concentrent sur les lettres, lui explore un langage abstrait, fluide et futuriste inspiré par la science-fiction, la culture punk, le design industriel et les interfaces numériques. C’est un art résolument techno-poétique ! Ses compositions dynamiques, mêlant formes biomorphiques et lignes cinétiques, évoquent un univers cosmique en perpétuel mouvement.

1. Un langage visuel unique

Une abstraction cosmique

Dès l’entrée,  ce qui frappe le visiteur d’emblée dans les toiles présentées à La Fab., c’est la puissance de l’abstraction. Chez Futura 2000, les formes semblent flotter dans l’espace, comme en apesanteur. Lignes filantes, halos de couleurs, éclats de matière : chaque œuvre évoque un univers en expansion, entre chaos contrôlé et mouvement perpétuel. L’artiste y projette sa vision, un monde cosmique, instable mais profondément humain. L’univers est chez lui une métaphore de la liberté et de l’infini. Cette esthétique abstraite donne à ses œuvres une dimension spirituelle. Futura invente un langage qui n’appartient qu’à lui. Un graffiti libéré de la lettre, où la vibration du geste prime sur toute narration.

Où le geste prend toute sa place

Cette esthétique de l’abstraction cosmique, ne saurait exister sans une relation particulière à l’acte même de peindre. Car au cœur de l’œuvre de Futura, il y a le geste, brut, libre, immédiat : une manière de capter l’instant et de le projeter dans l’espace. Loin des constructions rigides du graffiti traditionnel, où le lettrage domine, il privilégie la spontanéité, l’élan, le souffle. Chaque trait à la bombe devient un prolongement du corps, presque une calligraphie de l’instinct. On sent dans ses œuvres l’urgence du mouvement, mais aussi une maîtrise fine du rythme, du vide, de la matière. La spray, devient un pinceau du futur, capable de nuances inattendues. 

« L’essence du graffiti, c’est créer une identité et l’amener dans l’espace public » Futura 2000 

Dans un équilibre entre contrôle et lâcher-prise

Cette manière de peindre, née dans les tunnels du métro new-yorkais, s’est affinée sans jamais perdre son intensité. À La Fab., certaines toiles semblent presque improvisées, alors qu’elles sont en réalité le fruit d’un équilibre fragile entre contrôle et lâcher-prise. Ses œuvres mêlent ordre et désordre. Certaines parties sont soigneusement maîtrisées, d’autres laissent place au hasard de la matière et du geste. C’est dans cette tension que réside la poésie visuelle de Futura : un art qui ne cherche pas à tout dire, mais à suggérer, à faire vibrer. 

L’alter ego futuriste

On retrouve également son célèbre personnage, Pointman, silhouette robotique et solitaire, sorte de messager silencieux perdu dans une époque technologique. Cette figure devient un écho à l’artiste lui-même : observateur engagé, en dehors du système mais toujours en dialogue avec lui. Un humanoïde robotique stylisé qui incarne une forme d’alter ego solitaire et futuriste. Il symbolise à la fois l’individu dans la foule et l’humain dans la technologie.

Les toiles de Futura dans cette exposition déploient un univers abstrait, cinétique et cosmique, où se croisent énergie urbaine, introspection, et visions du futur. Elles ne racontent pas une histoire linéaire, mais proposent une expérience sensorielle et mentale.

2. La musique en fond

La musique occupe une place fondamentale dans l’univers de Futura 2000 : non seulement comme source d’inspiration, mais aussi comme langage parallèle à son art visuel. Chez lui, l’image et le son sont indissociables d’une même énergie urbaine, pulsée, libre.

Une influence directe du punk et du hip-hop

Dans les années 70 et 80, Futura fréquente les scènes punk rock et hip-hop émergentes à New York. Il est proche du groupe The Clash, avec qui il part en tournée en 1981 : il peint en direct sur scène, en rythme avec les morceaux : une performance totalement inédite à l’époque, mêlant art visuel et musique live. Cette expérience a profondément marqué sa pratique : peindre devient un acte rythmique, presque chorégraphique, guidé par le son.

La culture du son comme terrain commun

Futura est aussi profondément lié à la culture de la mixtape, du DJing, du sampling, où l’on compose en juxtaposant, en hybridant. Cela se reflète dans ses collaborations : il a travaillé avec James Lavelle (UNKLE), participé à des pochettes d’albums, des projets de design sonore et visuel, et reste une influence pour des musiciens comme DJ Shadow, Flying Lotus, ou A Tribe Called Quest.

Une rythmique visuelle

Dans ses compositions picturales, la musique n’est pas seulement un thème ou une influence extérieure : elle est structurante, presque architecturale. Elle organise l’espace, guide le rythme, inspire le mouvement. Futura compose ses toiles comme un musicien construit une piste : par couches, séquences, ruptures… Les traits fins à la bombe, les éclats de couleur, les zones de vides jouent le rôle de temps forts et temps faibles. Certaines œuvres évoquent même des partitions abstraites : pas de notes, mais des impulsions, des fréquences visuelles.

Le regard circule comme l’oreille dans un morceau : il suit un tempo, un groove graphique.

Improvisation contrôlée

À l’image du jazz, Futura travaille souvent en improvisation maîtrisée. Il pose des bases, puis intervient avec des gestes spontanés, des accidents heureux, comme un solo improvisé. La peinture devient un acte performé, presque dansé.

« Les gens disent : “jouons selon les règles.” Moi, je dis : “non — brisons un peu les règles” » Futura 2000 

Énergie urbaine et pulsation électronique

La vitesse, la répétition, le souffle du spray rappellent les boucles et les samples de la musique électronique. Son abstraction évoque des vibrations sonores, des ondes ou des résonances comme si la toile captait les fréquences invisibles de la ville. On peut y lire une traduction plastique du son de la rue.

Une spatialisation du son

Futura pense aussi l’espace pictural comme un espace sonore : certaines zones explosent, d’autres retiennent la tension ; certaines sont denses comme un refrain, d’autres légères comme un interlude. Il y a une dramaturgie musicale dans la manière dont ses éléments visuels s’équilibrent, s’écartent et s’opposent.

La musique chez Futura, elle ne s’entend pas, elle se lit. Elle est présente dans la structure même de ses œuvres : dans le geste, dans la composition, dans le rythme intérieur. En regardant une toile, on ne voit pas seulement un graffiti abstrait : on entre dans un paysage sonore qui respire.

3. Au-delà du graffiti

L’influence de Futura 2000 dépasse largement les frontières de la peinture et de la musique : il est devenu une figure transversale, un passeur culturel dont l’empreinte marque la mode, le design, le luxe, le sport et la culture visuelle contemporaine. Dès les années 1990, Futura avait déjà compris que le style pouvait circuler entre les murs, les écrans et les corps.

Mode : du streetwear au luxe

Futura est l’un des tout premiers artistes issus du graffiti à s’être imposé dans l’univers de la mode. Il a collaboré dès les années 90 avec agnès b., puis avec des géants du streetwear comme Supreme, Nike, Stüssy ou A Bathing Ape. Il a créé des collections capsules, des sneakers collectors, des logos et motifs devenus cultes. Plus récemment, ses collaborations avec COMME des GARÇONS ou Off-White montrent que son esthétique graphique minimaliste continue d’inspirer les designers les plus avant-gardistes.

L’exposition met d’ailleurs en lumière ces partenariats à travers une sélection d’objets rares (sneakers en édition limitée, covers de vinyles) et des documents d’archives.

Design d’objets

Son influence s’étend aussi au design d’objet et au monde des art toys : sa série de figurines Pointman (son personnage-icône) est devenue emblématique dans la culture urbaine et ses créations se collectionnent dans le monde entier. Par ce biais, Futura a su donner une forme tangible à son univers, en dehors de la toile : des objets à mi-chemin entre sculpture, art toy et manifeste.

Automobile, tech et innovation

Plus étonnant encore : Futura a collaboré avec BMW pour peindre une voiture (la BMW M2), avec un traitement abstrait et nerveux très personnel. Il a aussi été sollicité dans des projets mêlant art et nouvelles technologies, explorant des supports comme la réalité augmentée ou les NFTs, toujours avec la même volonté de repousser les cadres et les formats.

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Influence culturelle et générationnelle

Futura est aujourd’hui une référence pour toute une génération de créateurs, de stylistes, de musiciens, de graphistes, de tatoueurs. Son nom circule comme un code discret, une marque de respect pour une trajectoire indépendante, radicale et toujours innovante. Il est souvent cité aux côtés de figures comme Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, ou Rammellzee mais il a toujours suivi son propre chemin, plus discret, mais tout aussi influent.

Loin de se cantonner à l’art urbain, Futura 2000 a su infiltrer la culture visuelle contemporaine dans son ensemble, en mêlant rigueur esthétique, esprit d’expérimentation et refus des frontières. Il ne s’est jamais contenté d’un support : il a transformé sa vision du monde en un langage visuel global, fluide, modulable : toujours en avance d’un tempo.

Une amitié artistique de longue date

La Fab. n’est pas une galerie comme les autres. Fondée par agnès b., qui soutient depuis des décennies les artistes hors normes, souvent en marge des circuits traditionnels. Cette exposition est née d’une relation authentique entre agnès b. et Futura. On sent que ce n’est pas une expo “marketing”, mais un vrai hommage à un parcours artistique libre. 

La relation entre Futura 2000 et agnès b. remonte aux années 80, lorsque la créatrice de mode a commencé à soutenir et exposer son travail dans ses galeries parisiennes. En invitant Futura 2000, agnès b. poursuit son engagement de plus de 40 ans envers la scène artistique alternative. On sent que ce projet est né d’un respect mutuel, d’une amitié entre deux figures qui partagent une vision du monde : ouverte, engagée, résolument tournée vers l’avenir. Cette amitié a donné lieu à plusieurs expositions, dont celle actuelle à La Fab. à Paris.

Cette exposition est une occasion unique de plonger dans l’univers visionnaire de Futura 2000, où le graffiti rencontre l’abstraction, la technologie et la culture contemporaine. Elle offre une perspective enrichissante sur l’évolution du graffiti et son intégration dans les sphères artistiques et culturelles mondiales.

Depuis le 25 avril, jusqu’au 19 octobre 2025 / La Fab. : Place Jean-Michel Basquiat 75013 Paris

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En collaboration avec le centre Georges Pompidou, La Monnaie de Paris a frappé fort avec la rétrospective Georges Mathieu : geste, vitesse, mouvement, la première de cette ampleur depuis plusieurs décennies. Figure emblématique de l’abstraction lyrique, Mathieu a su faire vibrer les murs de cette institution avec ses toiles puissantes, énergiques, et profondément expressives.

L’exposition propose un parcours chronologique et thématique qui retrace avec finesse les grandes périodes de la carrière de Mathieu, de ses débuts dans les années 1940 jusqu’à ses dernières œuvres, en passant par ses expérimentations audacieuses des années 1960 et 1970.Du XXe siècle au XXIe, Mathieu, souvent relégué aux marges de l’histoire de l’art officielle, réapparaît ici dans toute sa splendeur, redonnant à son œuvre la profondeur qu’elle mérite.

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« Je peins dans l’urgence, pour ne pas laisser à l’intellect le temps de censurer l’intuition. » Georges Mathieu, 1960.

Cette citation résume parfaitement sa philosophie du geste spontané, opposée à la construction rationnelle de l’abstraction géométrique.

1. Une redécouverte bienvenue

Le choix de la Monnaie de Paris comme lieu n’est pas anodin : Georges Mathieu y a frappé une pièce de 10 francs dans les années 70. Cette exposition boucle ainsi une boucle, et redonne sens à sa conception de l’artiste comme “héros moderne”, à la fois créateur, penseur et communicateur. Longtemps considéré avec méfiance pour son succès médiatique ou son rôle dans le design industriel, Georges Mathieu retrouve ici toute sa légitimité artistique. L’exposition réussit le pari de réconcilier le public avec cette figure singulière de l’art d’après-guerre, à la fois érudit, mystique et flamboyant.

Une scénographie immersive

La scénographie, volontairement épurée, laisse toute la place aux œuvres. Les toiles, souvent monumentales, respirent pleinement dans l’espace, presque solennelles. Des vidéos d’époque, des documents d’archives et des extraits de ses textes théoriques ponctuent le parcours, offrant un contexte essentiel à sa démarche artistique. On y découvre la fougue calligraphique de l’artiste, ses gestes amples, presque chorégraphiques, capturés sur la toile dans une tension palpable entre chaos et maîtrise.

L’abstraction lyrique : entre émotion et fulgurance

Georges Mathieu n’était pas un peintre cérébral mais un artiste du geste. À travers l’exposition, on mesure la radicalité de sa démarche : peindre vite, sans repentir, dans une forme de transe qui annonce certaines performances contemporaines. Le visiteur est frappé par la modernité de ce geste, qui reste d’une grande puissance visuelle.

« Peindre, c’est se livrer. C’est une mise à nu devant l’instant. »

Il revendiquait une forme de sincérité radicale dans l’acte de peindre, assimilée à une forme de performance ou de rituel.

Des œuvres emblématiques

Parmi les œuvres présentées, certaines pièces phares captivent par leur intensité. On pense notamment à La Bataille de Bouvines ou à ses toiles noires et or des années 70, véritables incantations picturales. Le parcours met également en valeur ses travaux moins connus, comme ses expérimentations sur supports métalliques ou ses collaborations avec le monde industriel.

2. Le parcours de l’exposition

Le parcours de l’exposition s’organise en six sections, chacune éclairant un aspect déterminant de la pratique de Mathieu.

L’émergence de l’abstraction lyrique

On entre dans l’exposition par les prémices de son œuvre : les années d’après-guerre, où Mathieu se détache de la figuration pour proposer une nouvelle forme d’abstraction intuitive, opposée à l’abstraction géométrique de Mondrian ou Kandinsky. On y voit déjà poindre le geste libéré, l’improvisation, la vitesse d’exécution – marqueurs de ce que Mathieu théorise comme une “peinture d’urgence”

« L’abstraction lyrique, c’est l’éclatement de l’émotion sur la toile » Georges Mathieu

Une formule simple mais puissante qui montre combien il plaçait l’émotion au cœur de la création artistique. Lors de l’exposition, on retrouve un clin d’oeil à ses influences picturales comme Camille Bryen, Wols ou Jackson Pollock, tous adeptes de la “figuration non psychique”.

Le geste comme écriture

Cette partie met en lumière l’influence calligraphique et orientale sur son travail. Les toiles vibrent de traits nerveux, presque chorégraphiés. Des vidéos d’archives montrent Mathieu en train de peindre en public, en costume cravate, dans un rituel quasi-théâtral. Il peint debout, sans esquisse, tel un performeur.

Les grandes batailles de l’Histoire

Une salle saisissante est consacrée à ses œuvres monumentales à thème historique : La Bataille de Bouvines, Le Sacre de l’Homme, La Victoire de Denain. Ces toiles, à la croisée de la peinture d’histoire et de l’abstraction, montrent un Mathieu habité par la grandeur et le lyrisme, refusant l’élitisme froid de l’art conceptuel. 

L’artiste médiatique et industriel

C’est peut-être la section la plus surprenante : Mathieu designer, créateur de logos, de meubles, d’emballages… Il dessine des affiches pour Air France, conçoit des pièces de monnaie (évidemment !), collabore avec Usinor. Cette hybridation entre art et industrie, autrefois décriée, est aujourd’hui perçue comme visionnaire.

Matières, couleurs, surfaces

Cette partie met en avant les expériences matérielles de l’artiste : fonds métalliques, dorures, empâtements… On découvre un Mathieu plus sensuel, voire baroque, dont la matière picturale s’épaissit, s’illumine et se densifie dans les années 1970-80.

Le crépuscule et la postérité

Enfin, l’exposition se clôt sur des œuvres tardives, parfois plus sombres, mais tout aussi intenses. On mesure aussi ici l’héritage de Mathieu dans la scène contemporaine – avec des références croisées à des artistes performatifs ou abstraits d’aujourd’hui, qu’il a influencés malgré eux.

L’exposition réussit à dépasser les clichés qui ont longtemps entouré Mathieu : l’artiste médiatique, narcissique, conservateur… Ce que montre cette rétrospective, c’est un homme habité par la peinture, profondément engagé dans la défense d’un art de la sensation et de la transcendance.

Cette expo montre aussi combien Georges Mathieu, loin d’être un anachronisme, était en avance sur son temps : dans son rapport au corps, au geste, à la performance, et même à l’interdisciplinarité. À l’heure où l’art contemporain célèbre les formes hybrides et les pratiques libres, son œuvre retrouve toute sa pertinence.

3. Le dialogue avec les artistes graffiti

Quand le graffiti rencontre l’abstraction lyrique

L’un des moments les plus surprenants — et stimulants — de l’exposition consacrée à Georges Mathieu à la Monnaie de Paris réside dans la rencontre entre son œuvre et celle d’artistes issus de la scène graffiti. Loin d’un simple clin d’œil ou d’un exercice de style, cette mise en regard crée un véritable dialogue entre deux formes d’expressions viscérales, libres et profondément ancrées dans leur époque.

Georges Mathieu, pionnier de l’abstraction lyrique, peignait avec urgence, porté par le geste, l’énergie, l’instant. Une approche que les artistes graffiti, souvent habitués à créer dans l’espace urbain, connaissent bien. À travers cette section de l’exposition, certains d’entre eux réinterprètent librement les œuvres de Mathieu : non pas en les copiant, mais en les prolongeant, en les réactivant avec leur propre langage, fait de couleurs vives, de traits expressifs, d’élans bruts.

Le résultat : un face-à-face vibrant entre deux générations, deux formes de rébellion artistique. Le graffiti, longtemps marginalisé, trouve ici une place légitime dans le musée, et l’œuvre de Mathieu, loin d’être figée dans le passé, entre soudainement en résonance avec les mouvements contemporains. On découvre alors à quel point ses toiles parlent encore aux artistes d’aujourd’hui — et combien son geste a peut-être inspiré, sans le savoir, toute une culture visuelle née dans la rue.

Les artistes graffiti reinterprètent le travail de Mathieu

Dans l’exposition Graffiti x Georges Mathieu : Geste, Vitesse, Mouvement, six artistes urbains ont été invités à créer des œuvres in situ, dialoguant directement avec les dessins sur papier de Georges Mathieu. Cette confrontation artistique met en lumière les résonances entre l’abstraction lyrique et le graffiti contemporain.

JonOne, figure emblématique du graffiti, a réalisé une fresque monumentale aux couleurs éclatantes, capturant l’énergie et la spontanéité du geste cher à Mathieu. Son travail évoque une explosion de couleurs et de mouvements, de lettres et symbôles reflétant la dynamique de l’abstraction lyrique.

Lek & Sowat, duo reconnu pour leurs explorations architecturales et typographiques, ont conçu une installation immersive mêlant calligraphie urbaine et structures géométriques. Leur œuvre crée un pont entre les signes de Mathieu et le langage visuel du graffiti.

Nassyo, artiste aux influences multiples, a présenté une salle immersive où se mêle abstraction et symbolisme. Ses compositions, riches en dynamisme, textures et en contrastes, offrent une relecture contemporaine des motifs de Mathieu. Pour sa fresque en écho au travail de Georges Mathieu, Nassyo a travaillé directement au tube de peinture sur le mur, comme le faisait Mathieu.

Camille Gendron a proposé une oeuvre épurée, jouant sur la transparence et la superposition des formes. Son approche minimaliste met en valeur la gestualité et la fluidité du trait, en écho aux œuvres sur papier de Mathieu.

Matt Zerfa, quant à lui, a investi l’espace avec une série de peintures murales aux lignes dynamiques et aux couleurs vives. Son travail souligne la rapidité d’exécution et l’intensité émotionnelle, caractéristiques communes au graffiti et à l’abstraction lyrique.

Découvrez les artistes abstraits de l’équipe Background Paris.

Ces créations, réalisées spécifiquement pour l’exposition, offrent une relecture contemporaine de l’œuvre de Georges Mathieu. Elles témoignent de l’influence persistante de son art sur les pratiques artistiques actuelles et illustrent la vitalité du dialogue entre les générations. En sortant de l’exposition, on ne voit plus Georges Mathieu comme un “artiste du passé” mais comme un visionnaire oublié, en dialogue direct avec nos préoccupations artistiques contemporaines.

Cette rétrospective à la Monnaie de Paris est bien plus qu’un hommage : c’est une réhabilitation. Elle rappelle à quel point Georges Mathieu a ouvert la voie à une peinture libre, instinctive et universelle qui réinscrit Mathieu au cœur du récit de l’abstraction. Un rendez-vous indispensable pour tout amateur d’art contemporain.

11 avril – 7 sept. 2025 à la Monnaie de Paris (11 Quai de Conti, Paris)

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