En collaboration avec le centre Georges Pompidou, La Monnaie de Paris a frappé fort avec la rétrospective Georges Mathieu : geste, vitesse, mouvement, la première de cette ampleur depuis plusieurs décennies. Figure emblématique de l’abstraction lyrique, Mathieu a su faire vibrer les murs de cette institution avec ses toiles puissantes, énergiques, et profondément expressives.

L’exposition propose un parcours chronologique et thématique qui retrace avec finesse les grandes périodes de la carrière de Mathieu, de ses débuts dans les années 1940 jusqu’à ses dernières œuvres, en passant par ses expérimentations audacieuses des années 1960 et 1970.Du XXe siècle au XXIe, Mathieu, souvent relégué aux marges de l’histoire de l’art officielle, réapparaît ici dans toute sa splendeur, redonnant à son œuvre la profondeur qu’elle mérite.

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« Je peins dans l’urgence, pour ne pas laisser à l’intellect le temps de censurer l’intuition. » Georges Mathieu, 1960.

Cette citation résume parfaitement sa philosophie du geste spontané, opposée à la construction rationnelle de l’abstraction géométrique.

1. Une redécouverte bienvenue

Le choix de la Monnaie de Paris comme lieu n’est pas anodin : Georges Mathieu y a frappé une pièce de 10 francs dans les années 70. Cette exposition boucle ainsi une boucle, et redonne sens à sa conception de l’artiste comme “héros moderne”, à la fois créateur, penseur et communicateur. Longtemps considéré avec méfiance pour son succès médiatique ou son rôle dans le design industriel, Georges Mathieu retrouve ici toute sa légitimité artistique. L’exposition réussit le pari de réconcilier le public avec cette figure singulière de l’art d’après-guerre, à la fois érudit, mystique et flamboyant.

Une scénographie immersive

La scénographie, volontairement épurée, laisse toute la place aux œuvres. Les toiles, souvent monumentales, respirent pleinement dans l’espace, presque solennelles. Des vidéos d’époque, des documents d’archives et des extraits de ses textes théoriques ponctuent le parcours, offrant un contexte essentiel à sa démarche artistique. On y découvre la fougue calligraphique de l’artiste, ses gestes amples, presque chorégraphiques, capturés sur la toile dans une tension palpable entre chaos et maîtrise.

L’abstraction lyrique : entre émotion et fulgurance

Georges Mathieu n’était pas un peintre cérébral mais un artiste du geste. À travers l’exposition, on mesure la radicalité de sa démarche : peindre vite, sans repentir, dans une forme de transe qui annonce certaines performances contemporaines. Le visiteur est frappé par la modernité de ce geste, qui reste d’une grande puissance visuelle.

« Peindre, c’est se livrer. C’est une mise à nu devant l’instant. »

Il revendiquait une forme de sincérité radicale dans l’acte de peindre, assimilée à une forme de performance ou de rituel.

Des œuvres emblématiques

Parmi les œuvres présentées, certaines pièces phares captivent par leur intensité. On pense notamment à La Bataille de Bouvines ou à ses toiles noires et or des années 70, véritables incantations picturales. Le parcours met également en valeur ses travaux moins connus, comme ses expérimentations sur supports métalliques ou ses collaborations avec le monde industriel.

2. Le parcours de l’exposition

Le parcours de l’exposition s’organise en six sections, chacune éclairant un aspect déterminant de la pratique de Mathieu.

L’émergence de l’abstraction lyrique

On entre dans l’exposition par les prémices de son œuvre : les années d’après-guerre, où Mathieu se détache de la figuration pour proposer une nouvelle forme d’abstraction intuitive, opposée à l’abstraction géométrique de Mondrian ou Kandinsky. On y voit déjà poindre le geste libéré, l’improvisation, la vitesse d’exécution – marqueurs de ce que Mathieu théorise comme une “peinture d’urgence”

« L’abstraction lyrique, c’est l’éclatement de l’émotion sur la toile » Georges Mathieu

Une formule simple mais puissante qui montre combien il plaçait l’émotion au cœur de la création artistique. Lors de l’exposition, on retrouve un clin d’oeil à ses influences picturales comme Camille Bryen, Wols ou Jackson Pollock, tous adeptes de la “figuration non psychique”.

Le geste comme écriture

Cette partie met en lumière l’influence calligraphique et orientale sur son travail. Les toiles vibrent de traits nerveux, presque chorégraphiés. Des vidéos d’archives montrent Mathieu en train de peindre en public, en costume cravate, dans un rituel quasi-théâtral. Il peint debout, sans esquisse, tel un performeur.

Les grandes batailles de l’Histoire

Une salle saisissante est consacrée à ses œuvres monumentales à thème historique : La Bataille de Bouvines, Le Sacre de l’Homme, La Victoire de Denain. Ces toiles, à la croisée de la peinture d’histoire et de l’abstraction, montrent un Mathieu habité par la grandeur et le lyrisme, refusant l’élitisme froid de l’art conceptuel. 

L’artiste médiatique et industriel

C’est peut-être la section la plus surprenante : Mathieu designer, créateur de logos, de meubles, d’emballages… Il dessine des affiches pour Air France, conçoit des pièces de monnaie (évidemment !), collabore avec Usinor. Cette hybridation entre art et industrie, autrefois décriée, est aujourd’hui perçue comme visionnaire.

Matières, couleurs, surfaces

Cette partie met en avant les expériences matérielles de l’artiste : fonds métalliques, dorures, empâtements… On découvre un Mathieu plus sensuel, voire baroque, dont la matière picturale s’épaissit, s’illumine et se densifie dans les années 1970-80.

Le crépuscule et la postérité

Enfin, l’exposition se clôt sur des œuvres tardives, parfois plus sombres, mais tout aussi intenses. On mesure aussi ici l’héritage de Mathieu dans la scène contemporaine – avec des références croisées à des artistes performatifs ou abstraits d’aujourd’hui, qu’il a influencés malgré eux.

L’exposition réussit à dépasser les clichés qui ont longtemps entouré Mathieu : l’artiste médiatique, narcissique, conservateur… Ce que montre cette rétrospective, c’est un homme habité par la peinture, profondément engagé dans la défense d’un art de la sensation et de la transcendance.

Cette expo montre aussi combien Georges Mathieu, loin d’être un anachronisme, était en avance sur son temps : dans son rapport au corps, au geste, à la performance, et même à l’interdisciplinarité. À l’heure où l’art contemporain célèbre les formes hybrides et les pratiques libres, son œuvre retrouve toute sa pertinence.

3. Le dialogue avec les artistes graffiti

Quand le graffiti rencontre l’abstraction lyrique

L’un des moments les plus surprenants — et stimulants — de l’exposition consacrée à Georges Mathieu à la Monnaie de Paris réside dans la rencontre entre son œuvre et celle d’artistes issus de la scène graffiti. Loin d’un simple clin d’œil ou d’un exercice de style, cette mise en regard crée un véritable dialogue entre deux formes d’expressions viscérales, libres et profondément ancrées dans leur époque.

Georges Mathieu, pionnier de l’abstraction lyrique, peignait avec urgence, porté par le geste, l’énergie, l’instant. Une approche que les artistes graffiti, souvent habitués à créer dans l’espace urbain, connaissent bien. À travers cette section de l’exposition, certains d’entre eux réinterprètent librement les œuvres de Mathieu : non pas en les copiant, mais en les prolongeant, en les réactivant avec leur propre langage, fait de couleurs vives, de traits expressifs, d’élans bruts.

Le résultat : un face-à-face vibrant entre deux générations, deux formes de rébellion artistique. Le graffiti, longtemps marginalisé, trouve ici une place légitime dans le musée, et l’œuvre de Mathieu, loin d’être figée dans le passé, entre soudainement en résonance avec les mouvements contemporains. On découvre alors à quel point ses toiles parlent encore aux artistes d’aujourd’hui — et combien son geste a peut-être inspiré, sans le savoir, toute une culture visuelle née dans la rue.

Les artistes graffiti reinterprètent le travail de Mathieu

Dans l’exposition Graffiti x Georges Mathieu : Geste, Vitesse, Mouvement, six artistes urbains ont été invités à créer des œuvres in situ, dialoguant directement avec les dessins sur papier de Georges Mathieu. Cette confrontation artistique met en lumière les résonances entre l’abstraction lyrique et le graffiti contemporain.

JonOne, figure emblématique du graffiti, a réalisé une fresque monumentale aux couleurs éclatantes, capturant l’énergie et la spontanéité du geste cher à Mathieu. Son travail évoque une explosion de couleurs et de mouvements, de lettres et symbôles reflétant la dynamique de l’abstraction lyrique.

Lek & Sowat, duo reconnu pour leurs explorations architecturales et typographiques, ont conçu une installation immersive mêlant calligraphie urbaine et structures géométriques. Leur œuvre crée un pont entre les signes de Mathieu et le langage visuel du graffiti.

Nassyo, artiste aux influences multiples, a présenté une salle immersive où se mêle abstraction et symbolisme. Ses compositions, riches en dynamisme, textures et en contrastes, offrent une relecture contemporaine des motifs de Mathieu. Pour sa fresque en écho au travail de Georges Mathieu, Nassyo a travaillé directement au tube de peinture sur le mur, comme le faisait Mathieu.

Camille Gendron a proposé une oeuvre épurée, jouant sur la transparence et la superposition des formes. Son approche minimaliste met en valeur la gestualité et la fluidité du trait, en écho aux œuvres sur papier de Mathieu.

Matt Zerfa, quant à lui, a investi l’espace avec une série de peintures murales aux lignes dynamiques et aux couleurs vives. Son travail souligne la rapidité d’exécution et l’intensité émotionnelle, caractéristiques communes au graffiti et à l’abstraction lyrique.

Découvrez les artistes abstraits de l’équipe Background Paris.

Ces créations, réalisées spécifiquement pour l’exposition, offrent une relecture contemporaine de l’œuvre de Georges Mathieu. Elles témoignent de l’influence persistante de son art sur les pratiques artistiques actuelles et illustrent la vitalité du dialogue entre les générations. En sortant de l’exposition, on ne voit plus Georges Mathieu comme un “artiste du passé” mais comme un visionnaire oublié, en dialogue direct avec nos préoccupations artistiques contemporaines.

Cette rétrospective à la Monnaie de Paris est bien plus qu’un hommage : c’est une réhabilitation. Elle rappelle à quel point Georges Mathieu a ouvert la voie à une peinture libre, instinctive et universelle qui réinscrit Mathieu au cœur du récit de l’abstraction. Un rendez-vous indispensable pour tout amateur d’art contemporain.

11 avril – 7 sept. 2025 à la Monnaie de Paris (11 Quai de Conti, Paris)

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Du 24 au 27 avril 2025, le Carreau du Temple à Paris a de nouveau vibré au rythme de l’Urban Art Fair, rendez-vous incontournable pour les amateurs, les curieux et les collectionneurs d’art urbain. Cette neuvième édition a confirmé la place centrale de la foire dans le paysage artistique contemporain, en réunissant une quarantaine de galeries internationales et une programmation riche en découvertes.

« Avec “Obey!”, on voulait interroger la manière dont le street art, né dans la rue comme acte de rébellion, est aujourd’hui absorbé par la culture mainstream. Ce nettoyeur qui porte un tee-shirt “Obey” incarne cette ironie : le symbole de la contestation est devenu une marque ».

Murmure (Paul Ressencourt & Simon Roché) – Artistes et créateurs de l’affiche officielle de l’Urban Art Fair.

Cette œuvre, exposée sur le stand de la Mazel Galerie, a suscité de nombreuses discussions sur la commercialisation de l’art urbain. 

1. Les spécificités de l’Urban Art Fair 2025

Une édition marquée par l’ouverture internationale

Cette année, la foire a accentué sa dimension internationale : 43 galeries, dont plus de la moitié venues de l’étranger (Allemagne, Espagne, Corée du Sud, États-Unis, Belgique..). Cela reflète une volonté de faire dialoguer les scènes locales et globales du street art, et de mettre en lumière des talents moins visibles sur le marché français. Paris s’impose comme un carrefour de l’art urbain mondial.

Une réflexion sur la mémoire du street art

Des stands comme celui du Museum of Graffiti (Miami) ou la collaboration entre Logan Hicks et Martha Cooper ont rappelé que le street art a une histoire. Il ne s’agit plus seulement d’un art “à la mode”, mais aussi d’un patrimoine à documenter, archiver, transmettre. Leur stand a offert une perspective historique enrichissante sur l’évolution du graffiti.

« Présenter à Paris des œuvres inédites de GIZ, T-KID 170 et d’autres légendes du graffiti, c’est un pont entre les racines new-yorkaises du mouvement et son rayonnement mondial. » Museum of Graffiti.

L’arrivée du numérique et des nouvelles formes

L’intégration des NFT, de l’art génératif, ou des œuvres immersives confirme que l’art urbain évolue avec son temps. Certaines galeries ont exposé des œuvres digitales ou interactives, qui interrogent la frontière entre virtuel et réel, entre rue et écran.

Une édition sous le signe de la diversité et de l’engagement

Cette année, l’Urban Art Fair a su mêler avec finesse les signatures reconnues du street art — comme JonOne ou L’Atlas — et les talents émergents. Des œuvres monumentales aux formats plus intimistes, la foire a offert un panorama complet de la création urbaine actuelle : peinture, photographie, collage, installation, sculpture…

On a particulièrement remarqué une tendance à l’engagement, qu’il soit social, politique ou écologique. Plusieurs artistes ont utilisé leur medium pour interroger le monde qui nous entoure, entre poésie visuelle et dénonciation frontale. Le street art, fidèle à son ADN contestataire, continue d’être un miroir des tensions contemporaines.

Une fréquentation en hausse et un engouement renouvelé

Avec une fréquentation estimée à plus de 25 000 visiteurs sur quatre jours, cette édition 2025 confirme l’engouement croissant pour l’art urbain, longtemps marginalisé mais désormais pleinement intégré aux institutions artistiques. La présence accrue de collectionneurs et de professionnels témoigne aussi d’une reconnaissance du street art sur le marché de l’art, sans pour autant trahir son esprit libre et subversif.

Affluence : L’édition 2025 a rassemblé environ 100 artistes et 43 galeries issues d’une douzaine de pays, dont 25 exposaient pour la première fois ou revenaient après une absence. 

Profil des visiteurs : La foire attire chaque année des collectionneurs, des professionnels du marché de l’art et des amateurs.

Prix des œuvres : Les œuvres exposées varient en taille et en technique, avec des prix allant de quelques centaines à plusieurs dizaines de milliers d’euros, en fonction de la notoriété de l’artiste et de la complexité de l’œuvre.

2. La scène street art française bien représentée

L’édition 2025 de l’Urban Art Fair a rassemblé plusieurs figures majeures de l’art urbain français, confirmant ainsi son rôle central dans la scène street art hexagonale.

Les artistes emblématiques présents

Parmi les figures majeures de la scène française présentées lors de cette édition, on peut citer :

Invader : il a hacké la terre entière avec ses mosaïques inspirées du jeu Space Invaders.

Hopare : reconnu pour ses portraits réalistes et dynamiques mêlant lignes géométriques et couleurs vives.

« Ma sculpture en marbre est une tentative de figer la fragilité humaine dans un matériau éternel. Elle symbolise la tension entre la force brute et l’émotion intérieure » Hopare.

Cette pièce a marqué les visiteurs par son contraste entre la délicatesse des lignes et la robustesse du matériau. 

Maye : figure incontournable de la scène street art française. Originaire de Sète, il est reconnu pour ses personnages élancés et ses compositions oniriques mêlant poésie, humour et critique sociale.

Les talents confirmés et émergents

L’Urban Art Fair 2025 a également mis en lumière des artistes français confirmés et émergents, tels que :

Yann L’outsider dont le travail fusionne habilement les codes du graffiti et de l’abstraction contemporaine. Il explore des formes géométriques, des jeux de contrastes et des textures qui donnent à ses œuvres une dynamique visuelle forte et poétique. Son art, souvent réalisé in situ sur des murs ou des supports variés, questionne la place de l’écriture et du geste dans l’espace urbain comme dans les galeries. Il s’impose ainsi comme une figure singulière du street art, entre spontanéité et maîtrise graphique.

Nous pouvons également citer le travail de Gris1 qui se distingue par un univers visuel riche et coloré, combinant typographies “home made”, formes vectorielles et éléments figuratifs. Ses œuvres, véritables patchworks d’influences, oscillent entre naïveté enfantine et complexité graphique, reflétant une quête constante d’innovation et de liberté artistique.

Gris1, membre éminent du collectif Da Mental Vaporz (DMV), fondé en 1999, collabore avec des artistes tels que Bom.K, Brusk, Dran et Sowat pour créer des fresques monumentales mêlant graffiti, illustration et abstraction. 

Solo show

La galerie Outsiders de Rouen présentait un solo show. C’est le travail de Skio qui était mis en lumière avec une master pièce et des formats plus adaptés aux intérieurs de particuliers.  On retrouve dans ses œuvres ses études en design, son amour pour le Bahaus et son architecture, l’inscription du corps dans l’espace, le surréalisme… Tout en questionnant la perte d’identité dans notre génération. 

La galerie Prazowski a consacré une rétrospective à Kan/DMV, figure majeure du néo-pointillisme et membre du collectif Da Mental Vaporz, soulignant son influence sur la scène artistique contemporaine.

Cette édition a ainsi offert un panorama riche et diversifié de l’art urbain français, mêlant artistes établis et nouvelles figures, confirmant la vitalité de cette scène artistique.

Découvrez les artistes qui composent l’équipe Background Paris

3. Les événements “off” de l’Urban Art Fair

Installations et expositions hors les murs

L’Urban Art Fair 2025 a présenté des installations artistiques en dehors du Carreau du Temple, permettant aux visiteurs de découvrir des œuvres dans l’espace public parisien. Ces initiatives visaient à rapprocher l’art urbain de son environnement d’origine et à offrir une expérience artistique accessible à tous.

Dans ce contexte, les galeries Lafayette ont accueilli l’installation colorée d’Arnaud Liard.

Conférences et projections

Des cycles de conférences ont été organisés, réunissant des artistes et des intervenants internationaux renommés pour discuter de l’évolution de l’art urbain, de son intégration dans le marché de l’art et de son impact culturel. Par ailleurs, des projections de courts-métrages ont été proposées, notamment en partenariat avec l’Urban Films Festival, mettant en lumière la diversité des pratiques et des modes de vie urbains. 

Performances en direct et rencontres

L’édition 2025 a également inclus des performances en direct, où les visiteurs ont pu assister à la création d’œuvres en temps réel, et des séances de dédicaces avec les artistes, favorisant ainsi des échanges directs entre le public et les créateurs.

Ces événements « off » ont permis de prolonger l’expérience de la foire au-delà des murs du Carreau du Temple, renforçant l’interaction entre l’art urbain et la ville de Paris.

L’Urban Art Fair, plus qu’une foire, un manifeste

Au-delà d’un simple salon, l’Urban Art Fair s’impose aujourd’hui comme un espace de dialogue, de découverte et de réflexion sur ce que peut (et doit) être l’art contemporain. En rassemblant des artistes de tous horizons et en valorisant une création urbaine riche et protéiforme, elle continue d’écrire l’histoire d’un mouvement en perpétuelle évolution.

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