L’art urbain s’invite désormais dans les entreprises. Bien plus qu’une question d’esthétique, la fresque murale en entreprise devient un levier de communication, d’inspiration et de cohésion.

Chez Background Paris, agence artistique spécialisée dans la réalisation de fresques murales sur-mesure, nous croyons que l’art a le pouvoir de transformer les espaces de travail. Nous accompagnons les entreprises qui souhaitent valoriser leurs espaces, renforcer leur identité de marque, stimuler la créativité et l’engagement de leurs collaborateurs.

Comment passe-t-on d’une idée à une œuvre d’art sur vos murs ? Découvrez notre processus, étape par étape, du premier brief jusqu’à la mise en peinture, pour comprendre comment concevoir une fresque murale en entreprise qui raconte votre histoire, renforce votre identité visuelle et inspire vos équipes au quotidien.

1. Comprendre les besoins et le brief client

Écoute, immersion et compréhension de vos valeurs

Tout projet de fresque murale d’entreprise commence par une écoute attentive.

Nous échangeons avec le client pour comprendre :

• le contexte du projet

• ses objectifs (communication interne, marque employeur, différenciation, bien-être au travail…)

• ses valeurs, sa culture d’entreprise et son univers visuel,

• les caractéristiques techniques du lieu (support, surface, environnement),

• les contraintes logistiques ou de délai.

• le public visé (collaborateurs, visiteurs, clients).

Ce premier échange est fondamental : il nous permet de traduire vos valeurs en langage visuel et de bâtir une œuvre cohérente avec votre ADN et votre culture d’entreprise.

2. Direction artistique et sélection des artistes

Trouver la signature artistique qui correspond à votre identité

Une fois le brief établi, nous lançons un travail de direction artistique. Notre rôle : identifier l’artiste dont l’univers créatif correspond le mieux à votre projet.

Sélection sur mesure des artistes

Nous collaborons avec un large réseau d’artistes, graffeurs, muralistes, illustrateurs aux styles variés : lettrage, abstrait, figuratif, typographique, géométrique… Chaque projet est une rencontre entre un lieu, une idée et un artiste.

Propositions et échanges créatifs

Nous présentons plusieurs pistes artistiques et visuels d’intentions. Cette étape d’échanges permet d’affiner la vision commune et de s’assurer que la fresque exprime à la fois l’univers de l’artiste et celui de l’entreprise.

3. Définir le budget et le cadre du projet

Transparence, personnalisation et adaptation à chaque contexte

Chaque fresque murale d’entreprise est unique, et son budget dépend de nombreux critères :

• Le choix de l’artiste et sa renommée, sa côte

• Le travail souhaité (aplat de couleurs ou réalisme ?)

• Les recherches artistiques en avant-projet

• Les croquis d’intention et ajustements

• Le temps de réalisation sur place

• Le matériel nécessaire (bombes, peinture, vernis, protections…)

• La régie technique (nacelle, échafaudage, sécurité, autorisations)

Nous remettons un devis clair et détaillé, garantissant transparence à chaque étape du projet.

4. Création et validation du concept

De l’idée à la maquette : construire une vision commune

Une fois la direction validée, l’artiste réalise un croquis d’intention ou une maquette visuelle pour concrétiser l’approche créative. Cette étape permet d’ajuster la composition, les couleurs et la symbolique jusqu’à validation. Nous présentons plusieurs propositions artistiques pour affiner la vision du projet et trouver le juste équilibre entre liberté créative et message de marque.

Une approche collaborative et sur mesure

Notre équipe agit comme interface entre l’entreprise et l’artiste, garantissant que la fresque reste fidèle à votre identité tout en laissant s’exprimer la créativité.

Le résultat : une œuvre à la fois impactante visuellement et juste dans le message.

5. La mise en peinture de la fresque murale

Le moment fort où l’espace prend vie

C’est ici que la magie opère. L’artiste entre en action, à la bombe, au pinceau, au rouleau… Selon le style et les contraintes du lieu.

L’équipe Background Paris assure la coordination technique complète : préparation du support, installation, sécurité, régie et suivi du chantier.

Un moment fédérateur pour vos équipes

Nous pouvons également transformer cette étape en événement participatif : performance live, atelier collaboratif ou session d’échange avec les collaborateurs. Le finissage du mur peut aussi etre le lieu d’un happening et de rencontres.

La fresque devient alors un projet collectif, créateur de cohésion et de fierté au sein de l’entreprise.

Découvrez les réalisations de l’agence Background Paris

6. Livraison, valorisation et communication

Faire vivre la fresque au-delà du mur

Une fois la fresque achevée, nous réalisons une prise de vue photos et vidéo pour en garder une trace et la partager.

Nous accompagnons nos clients dans la mise en valeur de l’œuvre avec des publications sur les réseaux sociaux, intégration dans leur communication interne, présentation sur le site web, inauguration officielle/ vernissage sur place.

La fresque devient ainsi un outil de communication visuelle puissant, qui incarne votre marque employeur et renforce votre branding.

Découvrez les vidéos des réalisations de l’agence Background Paris

Une fresque murale comme signature visuelle

L’art comme vecteur d’émotion, d’identité et d’innovation

Une fresque murale d’entreprise est bien plus qu’un décor : c’est un symbole fort, une source d’inspiration quotidienne, et une empreinte durable de votre culture d’entreprise.

Faire appel à Background Paris pour la création d’une fresque murale en entreprise, c’est choisir une démarche sur-mesure, à la croisée du street art et de la stratégie de marque. Du brief à la mise en peinture, nous imaginons des œuvres qui racontent votre histoire, valorisent vos espaces et donnent vie à votre identité.

Vous souhaitez transformer vos murs en vecteurs d’émotion et de sens ? Contactez-nous pour imaginer ensemble votre projet de fresque murale.

hugo@background.paris

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No paint, no game !

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La rentrée marque souvent le retour des objectifs ambitieux, des plannings chargés et des projets stratégiques. Pourtant, après les vacances, beaucoup de collaborateurs peinent à retrouver leur motivation et leur énergie. Pour les entreprises, c’est une période clé : il faut réengager les équipes, stimuler la créativité et renforcer le sentiment d’appartenance.

Bonne nouvelle : avec des actions concrètes et innovantes, vous pouvez transformer ce moment en véritable opportunité pour votre organisation. Et si l’art urbain devenait votre allié ? Les fresques murales, les performances de live painting et les ateliers de team building sont des leviers puissants pour stimuler la créativité, dynamiser les espaces de travail et renforcer le sentiment d’appartenance.

Découvrez nos 5 idées créatives pour transformer la rentrée en une véritable source d’inspiration pour vos équipes.

1. Dynamiser vos locaux avec une fresque murale personnalisée

Appuyez votre branding et renforcez le sentiment d’appartenance

Un environnement de travail inspirant est un levier direct de motivation et d’engagement. Une fresque murale sur-mesure, réalisée par des artistes street art, c’est un moyen affirmer l’identité de votre marque (en jouant sur votre charte graphique et reflétant vos messages et valeurs), de créer un cadre stimulant où vos collaborateurs se sentent créatifs et valorisés. Mais aussi de moderniser vos bureaux et renforcer votre image d’entreprise innovante.

Une fresque devient un repère visuel fort : elle motive, marque vos visiteurs et devient un outil de communication interne et externe.

2. Fédérez vos équipes avec team building street art

Développez la créativité et la cohésion d’équipe

Pour renforcer les liens, quoi de mieux qu’une activité créative où chacun peut contribuer ! Les participants, guidés et encadrés par un artiste, réalisent une fresque collective, sur mur ou sur toiles. 

Cet atelier d’initiation favorise l’expression de la créativité, la communication et le travail d’équipe. Les œuvres produites peuvent décorer vos locaux, laissant une trace tangible de ce moment partagé.Un team building qui sort des sentiers battus et qui combine détente, collaboration et valorisation des talents de chacun.

3. Créez un moment marquant avec un live painting

Communiquez avec une expérience artistique qui marque les esprits

Imaginez un artiste en pleine création d’une œuvre, en direct devant vos collaborateurs et vos clients pour un lancement de produit, une inauguration ou un séminaire. Créez un moment d’émotion et d’enthousiasme qui marque durablement les esprits et offrez une expérience artistique unique tout en associant votre marque à l’innovation et à la créativité.

Le live painting est bien plus qu’une animation : c’est un outil de communication visuelle impactant qui fait parler de votre entreprise.

4. Transformez vos bureaux en galerie d’art vivante

Multipliez les points d’échanges humains et artistiques

Avez-vous déjà pensé à créer une collection d’œuvres street art spécialement sélectionnées pour vos espaces de travail. Plutôt que d’avoir une décoration figée, vous pouvez mettre en place une galerie évolutive.

Invitez régulièrement des artistes à exposer leurs œuvres dans vos locaux, pour que vos collaborateurs découvrent de nouvelles créations au fil des mois. Organisez des rotations d’œuvres (tableaux, photographies, sculptures street art) afin de renouveler l’atmosphère et maintenir un effet de surprise. Et proposez des vernissages d’expositions internes pour présenter les nouvelles pièces, un moment convivial qui valorise vos équipes et renforce leur engagement.

C’est une idée simple à réaliser avec un fort impact où les employés bénéficient d’un cadre stimulant en constante évolution. L’entreprise se positionne comme ouverte à la culture et à la créativité. Et cette collection peut devenir un outil de marque employeur, qui séduit aussi vos clients et visiteurs.

Avec ce concept, vos locaux se transforment en espace d’inspiration vivant, sans travaux lourds ni organisation complexe. Cela crée une motivation continue, tout en associant votre image à l’univers créatif du street art. Ce type d’investissement favorise un environnement de travail unique qui motive vos collaborateurs en stimulant leur créativité et leur productivité au quotidien.

5. Inspirez vos équipes avec une résidence d’artistes en entreprise

Un environnement de travail artistique pour booster la créativité

Pourquoi ne pas aller encore plus loin en invitant l’art au cœur de votre entreprise avec une résidence d’artistes ?! Cette démarche innovante permet à un artiste de travailler temporairement dans vos locaux, tout en interagissant avec vos collaborateurs.

Concrètement, les employés découvrent les coulisses de la création artistique et échangent directement avec l’artiste. L’artiste peut s’inspirer de votre environnement, de vos valeurs et de vos équipes pour créer des œuvres exclusives. Cette présence artistique transforme vos locaux en un laboratoire créatif vivant, où chaque jour apporte une dose d’inspiration.

L’impact va bien au-delà de la décoration : vous stimulez la curiosité, l’ouverture d’esprit et la créativité de vos collaborateurs. Vous valorisez votre entreprise comme un lieu innovant, qui soutient l’art et encourage des échanges culturels enrichissants. Et vous créez une expérience unique qui marque durablement les esprits, aussi bien en interne qu’en externe.

La résidence d’artistes est une approche haut de gamme et originale, idéale pour des entreprises qui veulent aller plus loin qu’une fresque ou une animation artistique ponctuelle, et instaurer une culture d’inspiration permanente. On parle d’une immersion artistique, qui donne à l’entreprise un statut premium et avant-gardiste.

La motivation des équipes ne se décrète pas : elle se construit. Le street art en entreprise est une solution créative et moderne pour inspirer vos collaborateurs, renforcer leur sentiment d’appartenance et dynamiser vos espaces.

Découvrez nos projets en vidéos

Chez Background Paris, nous accompagnons les entreprises avec des fresques murales sur-mesure, des performances de live painting et des ateliers de team building street art. 

Ensemble, faisons de votre rentrée une source d’inspiration et de créativité !

Contactez-nous dès aujourd’hui pour imaginer votre projet artistique et marquer les esprits.

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No paint, no game !

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Cet été, la France se transforme en un immense musée à ciel ouvert et l’art urbain s’installe partout ! Sur les murs des villes, dans les ports bretons jusqu’aux champs sarthois. Que vous soyez amateurs de street art ou simplement curieux, voici quelques idées d’escapades pour découvrir les festivals street art incontournables de l’été 2025 et vivre l’art en grand format.

1. Plongez dans l’univers des fresques monumentales

Le Street Art Fest à Grenoble : la capitale française des fresques XXL

Chaque été, Grenoble devient un haut lieu du street art international. Le Street Art Fest est un rendez-vous incontournable pour tous les amateurs d’art urbain. Depuis 2015, il a transformé la ville et ses alentours en musée à ciel ouvert, avec plus de 300 fresques monumentales.

Commencez par le quartier Championnet, cœur historique du street art grenoblois. Poursuivez jusqu’à la Villeneuve pour les fresques monumentales. Enfin, terminez à la Galerie Spacejunk, partenaire du festival.

Accessible en 3h depuis Paris en TGV, privilégiez le centre-ville pour faire le parcours à pied. Profitez d’une visite guidée ou téléchargez l’application officielle pour suivre le parcours des œuvres et découvrir les histoires derrière chaque fresque.

K-Live à Sète : quand la Méditerranée inspire les artistes

À Sète, l’art urbain prend des airs méditerranéens. Chaque été, le festival K-Live colore les quais, les façades et les venelles du centre-ville. Les œuvres créées lors du festival rejoignent le MACO (Musée à Ciel Ouvert), un parcours permanent qui permet d’admirer les fresques toute l’année.

Pour votre parcours, débutez sur le quai de la Marine pour observer les fresques récentes. Puis explorez le quartier haut pour ses ruelles colorées. Et terminez par une pause plage après votre parcours artistique. C’est la destination idéale pour un week-end artistique et balnéaire, combinant plage, culture et gastronomie.

2. Escapades street art le temps d’un week-end

Points de Vue à Bayonne : l’art urbain au cœur du Pays Basque

Dans les ruelles de Bayonne, l’architecture basque rencontre la créativité contemporaine. Le festival Points de Vue invite des artistes du monde entier à peindre des façades et à animer la ville avec des performances en direct et des expositions.

Depuis 2017, chaque édition transforme Bayonne en un parcours artistique vivant, parfait pour un week-end culturel et gourmand, entre fresques et spécialités locales. Accessible en 2h depuis Bordeaux en voiture ou train. Et surtout, n’oubliez pas de goûter le jambon de Bayonne et le gâteau basque !

3. Energie collective et dimension internationale

Meeting of Styles : explosion de couleurs à Paimpol

La troisième édition du Meeting of Styles France revient à Paimpol, du 22 au 24 août 2025, portée par le collectif TSFcrew . Cet événement international invite plus de 60 artistes venus de plus de 20 pays, qui réalisent des fresques monumentales dans le centre-ville.

Le festival redynamise l’espace public portuaire avec une explosion de créativité, mariant patrimoine breton et culture graffiti internationale.

Plein Champ : l’art urbain version nature au Mans

Le festival Plein Champ (7e édition) a investit Le Mans du 4 au 6 juillet 2025 dans le parc du Gué‑de‑Maulny . Une centaine d’artistes nationaux et internationaux sont invités à peindre, mais aussi des installations, des ateliers, concerts et parcours guidés, en ville comme dans les espaces verts.

Les artistes comme 2FLUI, Adrien Da Silva, Katre, Grems, Marine Bonamy ou Jo Ber transforment Le Mans en un vaste terrain de création urbaine. L’originalité de Plein Champ réside dans sa dimension immersive, festive et accessible, mêlant art, ruralité et vie culturelle locale.

4. Un engagement écologique

Poésie Urbaine à Grasse

Sous la houlette de Nasty et Pascal Langlais, la deuxième édition de Poésie Urbaine a pris vie le 5 juin 2025, à Grasse, dans le quartier Martelly . Les street artistes invités, parmi lesquels Seth, Kashink, Katre, Digital Does, Nerone, Satr, Temponok ou encore Chanoir, ont métamorphosé les murs en fresques vibrantes, reflétant le thème « Les océans » et invitant à une réflexion écologique en milieu urbain .

L’événement est unique par son engagement environnemental et son ancrage culturel dans la capitale mondiale du parfum, offrant une immersion sensorielle et visuelle inédite. Les oeuvres sont visibles jusqu’au 31 août.

Nos conseils pour profiter pleinement de votre été street art

Le timing : privilégiez les matinées ou fins d’après-midi pour une lumière idéale sur les fresques. 

Suivez le guide : cherchez les parcours officiels (cartes interactives et applications facilitent la visite). 

Après l’effort, le réconfort : profitez-en pour découvrir la gastronomie et le patrimoine local. 

N’oubliez pas votre appareil photo : immortalisez vos découvertes ! Ces festivals sont parfaits pour la photographie urbaine et vos réseaux sociaux.

Et si vous êtes à Paris, profitez-en pour pour voir les murs des jams Background !

Transformez votre été en aventure artistique et culturelle

Ces festivals montrent que le street art a largement dépassé les murs des grandes métropoles pour s’étendre vers de nouveaux terrains d’expression. De Grenoble à Sète, en passant par Bayonne, la France devient un terrain de jeu pour les passionnés de street art.

Que vous soyez amateur d’art urbain ou simple flâneur, ces festivals sont l’occasion de découvrir les villes autrement, en famille, entre amis ou en solo pour vivre un été haut en couleurs.

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Chaque année, la jam graffiti organisée par l’agence Background Paris, à l’occasion de son anniversaire, fait vibrer les murs de la capitale au rythme des bombes de peinture et de la créativité déchaînée.

Plus qu’un simple événement, cette célébration est devenue un rendez-vous incontournable pour les amateurs d’art urbain, les graffeurs confirmés, les curieux et les passionnés.

Le 21 juin 2025, c’est la rue Henri Noguères (75019), le long du Canal de l’Ourcq, qui fut le théâtre de la jam anniversaire des 8 ans de Background Paris.

1. Une tradition ancrée dans la culture urbaine

Un espace d’échanges et de transmission 

Depuis plusieurs années, l’anniversaire de l’agence Background Paris est l’occasion de réunir les artistes de l’équipe (c’est un peu notre team building à nous ;)) autour d’une fresque collective monumentale.

Dans une ambiance conviviale et festive, les artistes de l’équipe Background Paris font vivre les murs d’un lieu emblématique de la ville. Chacun apporte son style, sa touche, son énergie. Résultat : un patchwork spectaculaire de couleurs, de typographies et de personnages qui racontent une histoire collective et éphémère.

Chaque édition est pensée comme un espace de rencontres et de transmission : entre générations, entre disciplines, entre cultures.

L’art urbain comme langage commun

À travers cet événement, Background Paris continue de défendre une vision inclusive, accessible et résolument vivante de l’art urbain. Dans un monde où les murs parlent souvent de division, ceux de la jam graffiti parlent d’unité, de liberté et d’expression.

Que l’on soit amateur de graffiti old school, fan de lettrages complexes, de scènes avec des personnages, ou simplement curieux de découvrir ce mouvement artistique en pleine effervescence, cette jam annuelle est une occasion rare de plonger au cœur d’une culture urbaine authentique, libre et sans filtre.

2. Pourquoi une jam graffiti chaque année?

Cet événement à un impact artistique, humain et stratégique, on vous explique !

Célébrer l’ADN de l’agence

Background Paris est née de la culture graffiti et street art. En organisant une jam, elle revient à ses racines, dans l’espace public. C’est une manière cohérente et symbolique de fêter son anniversaire dans son élément naturel : la rue.

Créer une plateforme d’expression libre

La jam graffiti donne la parole aux artistes. Elle leur offre un espace d’expression sans commande, sans censure, où chacun peut peindre ce qu’il veut, comme il le veut. C’est une parenthèse de liberté dans un monde artistique souvent cadré par les contraintes de production ou de marché.

Fédérer la communauté

C’est un moment de rassemblement. Les artistes viennent peindre, le public vient regarder, discuter, découvrir. C’est l’occasion de rencontrer des publics de tous horizons : graffeurs, passionnés d’art urbain, curieux de passage, enfants, anciens, voisins du quartier…

Renforcer la notoriété de l’agence

En organisant un événement public et visuel, Background Paris gagne en visibilité. Chaque jam devient un événement repéré sur la scène culturelle parisienne. Les fresques créées deviennent aussi des cartes de visite géantes qui parlent pour l’agence, tout en présentant l’équipe artistique qui la compose.

Montrer sa capacité à fédérer et organiser

L’organisation d’une jam de cette ampleur prouve que l’agence sait gérer la logistique d’un projet collaboratif complexe : autorisations, sécurité, coordination d’artistes, communication… Cela renforce sa crédibilité auprès des partenaires publics ou privés.

Créer du contenu artistique et médiatique

Chaque jam donne lieu à des photos, des vidéos, des stories, des interviews… Ce contenu est ensuite valorisé par l’agence sur ses réseaux, dans ses dossiers de presse ou pour démarcher de nouveaux projets. C’est un investissement en communication artistique.

Inspirer et éduquer le public

Pour les passants et les visiteurs, c’est souvent une première rencontre avec le graffiti dans un cadre valorisé. Cela aide à changer les perceptions : de l’acte de vandalisme à l’œuvre d’art. La jam devient alors un outil pédagogique et culturel.

Faire vivre l’espace urbain

En investissant un mur chaque année, la jam transforme temporairement ou durablement un endroit de la ville. Elle anime l’espace public, crée du lien social, et rend l’art accessible hors des galeries.

3. Les précédentes éditions

A chaque jam anniversaire, les artistes travaillent sur des fonds de couleurs différents, avec une palette chromatique imposée afin de conserver une unité et homogénéité sur le mur.

5ème anniversaire: 18 juin 2022

Pour ses 5 ans, Background Paris a réuni 20  artistes autour d’une fresque de 110  mètres de long, rue de la Fontaine-au-Roi (75011.) spécialement peinte en rose pour l’occasion. Malgré une canicule, les artistes ont travaillé sans relâche, avec la présence d’un public enthousiaste. L’événement a été capturé en film « à l’ancienne » sur MiniDV et DVD par l’équipe d’Amour Prod et Ykoner.

6ème anniversaire: 17 juin 2023

Retour en images sur la 6e édition de la jam Background :

7ème anniversaire: 29 juin 2024

Une programmation toujours soignée, avec de nouveaux talents et des compositions murales variées :

(Re)découvrez nos contenus vidéos de toutes les jams sur la page Youtube de l’agence Background Paris

Témoignage d’artistes

Lors des précédentes jams, de nombreux artistes tels que Ykoner, Keny ou encore Res ont mentionné l’opportunité unique de confronter leurs styles à ceux d’autres graffeurs.

« J’adore ces moments de partage : chacun vient avec sa technique, son univers, et ensemble on crée des fresques collectives qui n’auraient jamais vu le jour autrement. » Res

Ce sentiment de co-création collective se retrouve année après année, faisant de l’événement un véritable catalyseur pour les échanges artistiques.

Retrouvez toutes nos jams sur le site de Background Paris

Rencontre, inspiration & transmission

Formations croisées : certains artistes venus de la région parisienne ou de toute la France, soulignent l’esprit pédagogique des jams. Les créateurs les plus jeunes profitent de conseils (sur le lettrage, la composition, le choix des bombes) transmis spontanément par les plus expérimentés.

Créativité sans contraintes : chaque édition permet de repousser les limites stylistiques car l’espace mural, mis à disposition de manière généreuse, invite à expérimenter des formats XXL dans une ambiance libre et festive.

Les points forts de la jam Background Paris

Une organisation irréprochable : logistique, timing, accueil…

Un esprit de communauté : artistes unis, dialogues créatifs

Une transmission active entre générations et disciplines

Un cadre festif et public : événement gratuit et accessible à tous

La jam graffiti annuelle de Background Paris est à la fois une fête, un manifeste artistique, un outil de communication, et un événement fédérateur. Elle reflète la mission de l’agence : défendre une culture urbaine libre, vivante, inclusive… Et la faire rayonner au-delà des murs.

Rendez-vous en juin 2026 pour célébrer le 9e anniversaire de l’agence Background Paris !

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L’exposition Futura 2000 dans la collection agnès b. se tient actuellement à La Fab., l’espace culturel fondé par agnès b. dans le 13ᵉ arrondissement de Paris. Cette rétrospective immersive retrace 40 années de création de l’artiste à travers 60 œuvres issues de la collection personnelle d’agnès b. : des toiles emblématiques, des sculptures, des archives rares… On ne pouvait qu’être curieux de découvrir ce que cette nouvelle collaboration entre ces deux univers visionnaires allait produire.

QUI EST FUTURA 2000 ?

Futura 2000, de son vrai nom Leonard Hilton McGurr, est une légende vivante dans le monde de l’art urbain. Pionnier du graffiti new-yorkais et précurseur emblématique du graffiti abstrait dès les années 70,
Futura a réussi à transcender les frontières du graffiti. Dès les années 80, il expose dans des galeries à New York (comme la Fun Gallery) et en Europe aux côtés de Jean-Michel Basquiat, Keith Haring ou Rammellzee. Il devient l’un des rares artistes issus du graffiti à être rapidement reconnu dans le monde de l’art contemporain.

« Le graffiti était une façon pour moi d’exister. Je voulais que le monde connaisse mon nom. Je voulais être quelqu’un » Futura 2000 

Mais Futura ne suit pas les codes traditionnels du graffiti : là où d’autres se concentrent sur les lettres, lui explore un langage abstrait, fluide et futuriste inspiré par la science-fiction, la culture punk, le design industriel et les interfaces numériques. C’est un art résolument techno-poétique ! Ses compositions dynamiques, mêlant formes biomorphiques et lignes cinétiques, évoquent un univers cosmique en perpétuel mouvement.

1. Un langage visuel unique

Une abstraction cosmique

Dès l’entrée,  ce qui frappe le visiteur d’emblée dans les toiles présentées à La Fab., c’est la puissance de l’abstraction. Chez Futura 2000, les formes semblent flotter dans l’espace, comme en apesanteur. Lignes filantes, halos de couleurs, éclats de matière : chaque œuvre évoque un univers en expansion, entre chaos contrôlé et mouvement perpétuel. L’artiste y projette sa vision, un monde cosmique, instable mais profondément humain. L’univers est chez lui une métaphore de la liberté et de l’infini. Cette esthétique abstraite donne à ses œuvres une dimension spirituelle. Futura invente un langage qui n’appartient qu’à lui. Un graffiti libéré de la lettre, où la vibration du geste prime sur toute narration.

Où le geste prend toute sa place

Cette esthétique de l’abstraction cosmique, ne saurait exister sans une relation particulière à l’acte même de peindre. Car au cœur de l’œuvre de Futura, il y a le geste, brut, libre, immédiat : une manière de capter l’instant et de le projeter dans l’espace. Loin des constructions rigides du graffiti traditionnel, où le lettrage domine, il privilégie la spontanéité, l’élan, le souffle. Chaque trait à la bombe devient un prolongement du corps, presque une calligraphie de l’instinct. On sent dans ses œuvres l’urgence du mouvement, mais aussi une maîtrise fine du rythme, du vide, de la matière. La spray, devient un pinceau du futur, capable de nuances inattendues. 

« L’essence du graffiti, c’est créer une identité et l’amener dans l’espace public » Futura 2000 

Dans un équilibre entre contrôle et lâcher-prise

Cette manière de peindre, née dans les tunnels du métro new-yorkais, s’est affinée sans jamais perdre son intensité. À La Fab., certaines toiles semblent presque improvisées, alors qu’elles sont en réalité le fruit d’un équilibre fragile entre contrôle et lâcher-prise. Ses œuvres mêlent ordre et désordre. Certaines parties sont soigneusement maîtrisées, d’autres laissent place au hasard de la matière et du geste. C’est dans cette tension que réside la poésie visuelle de Futura : un art qui ne cherche pas à tout dire, mais à suggérer, à faire vibrer. 

L’alter ego futuriste

On retrouve également son célèbre personnage, Pointman, silhouette robotique et solitaire, sorte de messager silencieux perdu dans une époque technologique. Cette figure devient un écho à l’artiste lui-même : observateur engagé, en dehors du système mais toujours en dialogue avec lui. Un humanoïde robotique stylisé qui incarne une forme d’alter ego solitaire et futuriste. Il symbolise à la fois l’individu dans la foule et l’humain dans la technologie.

Les toiles de Futura dans cette exposition déploient un univers abstrait, cinétique et cosmique, où se croisent énergie urbaine, introspection, et visions du futur. Elles ne racontent pas une histoire linéaire, mais proposent une expérience sensorielle et mentale.

2. La musique en fond

La musique occupe une place fondamentale dans l’univers de Futura 2000 : non seulement comme source d’inspiration, mais aussi comme langage parallèle à son art visuel. Chez lui, l’image et le son sont indissociables d’une même énergie urbaine, pulsée, libre.

Une influence directe du punk et du hip-hop

Dans les années 70 et 80, Futura fréquente les scènes punk rock et hip-hop émergentes à New York. Il est proche du groupe The Clash, avec qui il part en tournée en 1981 : il peint en direct sur scène, en rythme avec les morceaux : une performance totalement inédite à l’époque, mêlant art visuel et musique live. Cette expérience a profondément marqué sa pratique : peindre devient un acte rythmique, presque chorégraphique, guidé par le son.

La culture du son comme terrain commun

Futura est aussi profondément lié à la culture de la mixtape, du DJing, du sampling, où l’on compose en juxtaposant, en hybridant. Cela se reflète dans ses collaborations : il a travaillé avec James Lavelle (UNKLE), participé à des pochettes d’albums, des projets de design sonore et visuel, et reste une influence pour des musiciens comme DJ Shadow, Flying Lotus, ou A Tribe Called Quest.

Une rythmique visuelle

Dans ses compositions picturales, la musique n’est pas seulement un thème ou une influence extérieure : elle est structurante, presque architecturale. Elle organise l’espace, guide le rythme, inspire le mouvement. Futura compose ses toiles comme un musicien construit une piste : par couches, séquences, ruptures… Les traits fins à la bombe, les éclats de couleur, les zones de vides jouent le rôle de temps forts et temps faibles. Certaines œuvres évoquent même des partitions abstraites : pas de notes, mais des impulsions, des fréquences visuelles.

Le regard circule comme l’oreille dans un morceau : il suit un tempo, un groove graphique.

Improvisation contrôlée

À l’image du jazz, Futura travaille souvent en improvisation maîtrisée. Il pose des bases, puis intervient avec des gestes spontanés, des accidents heureux, comme un solo improvisé. La peinture devient un acte performé, presque dansé.

« Les gens disent : “jouons selon les règles.” Moi, je dis : “non — brisons un peu les règles” » Futura 2000 

Énergie urbaine et pulsation électronique

La vitesse, la répétition, le souffle du spray rappellent les boucles et les samples de la musique électronique. Son abstraction évoque des vibrations sonores, des ondes ou des résonances comme si la toile captait les fréquences invisibles de la ville. On peut y lire une traduction plastique du son de la rue.

Une spatialisation du son

Futura pense aussi l’espace pictural comme un espace sonore : certaines zones explosent, d’autres retiennent la tension ; certaines sont denses comme un refrain, d’autres légères comme un interlude. Il y a une dramaturgie musicale dans la manière dont ses éléments visuels s’équilibrent, s’écartent et s’opposent.

La musique chez Futura, elle ne s’entend pas, elle se lit. Elle est présente dans la structure même de ses œuvres : dans le geste, dans la composition, dans le rythme intérieur. En regardant une toile, on ne voit pas seulement un graffiti abstrait : on entre dans un paysage sonore qui respire.

3. Au-delà du graffiti

L’influence de Futura 2000 dépasse largement les frontières de la peinture et de la musique : il est devenu une figure transversale, un passeur culturel dont l’empreinte marque la mode, le design, le luxe, le sport et la culture visuelle contemporaine. Dès les années 1990, Futura avait déjà compris que le style pouvait circuler entre les murs, les écrans et les corps.

Mode : du streetwear au luxe

Futura est l’un des tout premiers artistes issus du graffiti à s’être imposé dans l’univers de la mode. Il a collaboré dès les années 90 avec agnès b., puis avec des géants du streetwear comme Supreme, Nike, Stüssy ou A Bathing Ape. Il a créé des collections capsules, des sneakers collectors, des logos et motifs devenus cultes. Plus récemment, ses collaborations avec COMME des GARÇONS ou Off-White montrent que son esthétique graphique minimaliste continue d’inspirer les designers les plus avant-gardistes.

L’exposition met d’ailleurs en lumière ces partenariats à travers une sélection d’objets rares (sneakers en édition limitée, covers de vinyles) et des documents d’archives.

Design d’objets

Son influence s’étend aussi au design d’objet et au monde des art toys : sa série de figurines Pointman (son personnage-icône) est devenue emblématique dans la culture urbaine et ses créations se collectionnent dans le monde entier. Par ce biais, Futura a su donner une forme tangible à son univers, en dehors de la toile : des objets à mi-chemin entre sculpture, art toy et manifeste.

Automobile, tech et innovation

Plus étonnant encore : Futura a collaboré avec BMW pour peindre une voiture (la BMW M2), avec un traitement abstrait et nerveux très personnel. Il a aussi été sollicité dans des projets mêlant art et nouvelles technologies, explorant des supports comme la réalité augmentée ou les NFTs, toujours avec la même volonté de repousser les cadres et les formats.

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Influence culturelle et générationnelle

Futura est aujourd’hui une référence pour toute une génération de créateurs, de stylistes, de musiciens, de graphistes, de tatoueurs. Son nom circule comme un code discret, une marque de respect pour une trajectoire indépendante, radicale et toujours innovante. Il est souvent cité aux côtés de figures comme Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, ou Rammellzee mais il a toujours suivi son propre chemin, plus discret, mais tout aussi influent.

Loin de se cantonner à l’art urbain, Futura 2000 a su infiltrer la culture visuelle contemporaine dans son ensemble, en mêlant rigueur esthétique, esprit d’expérimentation et refus des frontières. Il ne s’est jamais contenté d’un support : il a transformé sa vision du monde en un langage visuel global, fluide, modulable : toujours en avance d’un tempo.

Une amitié artistique de longue date

La Fab. n’est pas une galerie comme les autres. Fondée par agnès b., qui soutient depuis des décennies les artistes hors normes, souvent en marge des circuits traditionnels. Cette exposition est née d’une relation authentique entre agnès b. et Futura. On sent que ce n’est pas une expo “marketing”, mais un vrai hommage à un parcours artistique libre. 

La relation entre Futura 2000 et agnès b. remonte aux années 80, lorsque la créatrice de mode a commencé à soutenir et exposer son travail dans ses galeries parisiennes. En invitant Futura 2000, agnès b. poursuit son engagement de plus de 40 ans envers la scène artistique alternative. On sent que ce projet est né d’un respect mutuel, d’une amitié entre deux figures qui partagent une vision du monde : ouverte, engagée, résolument tournée vers l’avenir. Cette amitié a donné lieu à plusieurs expositions, dont celle actuelle à La Fab. à Paris.

Cette exposition est une occasion unique de plonger dans l’univers visionnaire de Futura 2000, où le graffiti rencontre l’abstraction, la technologie et la culture contemporaine. Elle offre une perspective enrichissante sur l’évolution du graffiti et son intégration dans les sphères artistiques et culturelles mondiales.

Depuis le 25 avril, jusqu’au 19 octobre 2025 / La Fab. : Place Jean-Michel Basquiat 75013 Paris

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En collaboration avec le centre Georges Pompidou, La Monnaie de Paris a frappé fort avec la rétrospective Georges Mathieu : geste, vitesse, mouvement, la première de cette ampleur depuis plusieurs décennies. Figure emblématique de l’abstraction lyrique, Mathieu a su faire vibrer les murs de cette institution avec ses toiles puissantes, énergiques, et profondément expressives.

L’exposition propose un parcours chronologique et thématique qui retrace avec finesse les grandes périodes de la carrière de Mathieu, de ses débuts dans les années 1940 jusqu’à ses dernières œuvres, en passant par ses expérimentations audacieuses des années 1960 et 1970.Du XXe siècle au XXIe, Mathieu, souvent relégué aux marges de l’histoire de l’art officielle, réapparaît ici dans toute sa splendeur, redonnant à son œuvre la profondeur qu’elle mérite.

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« Je peins dans l’urgence, pour ne pas laisser à l’intellect le temps de censurer l’intuition. » Georges Mathieu, 1960.

Cette citation résume parfaitement sa philosophie du geste spontané, opposée à la construction rationnelle de l’abstraction géométrique.

1. Une redécouverte bienvenue

Le choix de la Monnaie de Paris comme lieu n’est pas anodin : Georges Mathieu y a frappé une pièce de 10 francs dans les années 70. Cette exposition boucle ainsi une boucle, et redonne sens à sa conception de l’artiste comme “héros moderne”, à la fois créateur, penseur et communicateur. Longtemps considéré avec méfiance pour son succès médiatique ou son rôle dans le design industriel, Georges Mathieu retrouve ici toute sa légitimité artistique. L’exposition réussit le pari de réconcilier le public avec cette figure singulière de l’art d’après-guerre, à la fois érudit, mystique et flamboyant.

Une scénographie immersive

La scénographie, volontairement épurée, laisse toute la place aux œuvres. Les toiles, souvent monumentales, respirent pleinement dans l’espace, presque solennelles. Des vidéos d’époque, des documents d’archives et des extraits de ses textes théoriques ponctuent le parcours, offrant un contexte essentiel à sa démarche artistique. On y découvre la fougue calligraphique de l’artiste, ses gestes amples, presque chorégraphiques, capturés sur la toile dans une tension palpable entre chaos et maîtrise.

L’abstraction lyrique : entre émotion et fulgurance

Georges Mathieu n’était pas un peintre cérébral mais un artiste du geste. À travers l’exposition, on mesure la radicalité de sa démarche : peindre vite, sans repentir, dans une forme de transe qui annonce certaines performances contemporaines. Le visiteur est frappé par la modernité de ce geste, qui reste d’une grande puissance visuelle.

« Peindre, c’est se livrer. C’est une mise à nu devant l’instant. »

Il revendiquait une forme de sincérité radicale dans l’acte de peindre, assimilée à une forme de performance ou de rituel.

Des œuvres emblématiques

Parmi les œuvres présentées, certaines pièces phares captivent par leur intensité. On pense notamment à La Bataille de Bouvines ou à ses toiles noires et or des années 70, véritables incantations picturales. Le parcours met également en valeur ses travaux moins connus, comme ses expérimentations sur supports métalliques ou ses collaborations avec le monde industriel.

2. Le parcours de l’exposition

Le parcours de l’exposition s’organise en six sections, chacune éclairant un aspect déterminant de la pratique de Mathieu.

L’émergence de l’abstraction lyrique

On entre dans l’exposition par les prémices de son œuvre : les années d’après-guerre, où Mathieu se détache de la figuration pour proposer une nouvelle forme d’abstraction intuitive, opposée à l’abstraction géométrique de Mondrian ou Kandinsky. On y voit déjà poindre le geste libéré, l’improvisation, la vitesse d’exécution – marqueurs de ce que Mathieu théorise comme une “peinture d’urgence”

« L’abstraction lyrique, c’est l’éclatement de l’émotion sur la toile » Georges Mathieu

Une formule simple mais puissante qui montre combien il plaçait l’émotion au cœur de la création artistique. Lors de l’exposition, on retrouve un clin d’oeil à ses influences picturales comme Camille Bryen, Wols ou Jackson Pollock, tous adeptes de la “figuration non psychique”.

Le geste comme écriture

Cette partie met en lumière l’influence calligraphique et orientale sur son travail. Les toiles vibrent de traits nerveux, presque chorégraphiés. Des vidéos d’archives montrent Mathieu en train de peindre en public, en costume cravate, dans un rituel quasi-théâtral. Il peint debout, sans esquisse, tel un performeur.

Les grandes batailles de l’Histoire

Une salle saisissante est consacrée à ses œuvres monumentales à thème historique : La Bataille de Bouvines, Le Sacre de l’Homme, La Victoire de Denain. Ces toiles, à la croisée de la peinture d’histoire et de l’abstraction, montrent un Mathieu habité par la grandeur et le lyrisme, refusant l’élitisme froid de l’art conceptuel. 

L’artiste médiatique et industriel

C’est peut-être la section la plus surprenante : Mathieu designer, créateur de logos, de meubles, d’emballages… Il dessine des affiches pour Air France, conçoit des pièces de monnaie (évidemment !), collabore avec Usinor. Cette hybridation entre art et industrie, autrefois décriée, est aujourd’hui perçue comme visionnaire.

Matières, couleurs, surfaces

Cette partie met en avant les expériences matérielles de l’artiste : fonds métalliques, dorures, empâtements… On découvre un Mathieu plus sensuel, voire baroque, dont la matière picturale s’épaissit, s’illumine et se densifie dans les années 1970-80.

Le crépuscule et la postérité

Enfin, l’exposition se clôt sur des œuvres tardives, parfois plus sombres, mais tout aussi intenses. On mesure aussi ici l’héritage de Mathieu dans la scène contemporaine – avec des références croisées à des artistes performatifs ou abstraits d’aujourd’hui, qu’il a influencés malgré eux.

L’exposition réussit à dépasser les clichés qui ont longtemps entouré Mathieu : l’artiste médiatique, narcissique, conservateur… Ce que montre cette rétrospective, c’est un homme habité par la peinture, profondément engagé dans la défense d’un art de la sensation et de la transcendance.

Cette expo montre aussi combien Georges Mathieu, loin d’être un anachronisme, était en avance sur son temps : dans son rapport au corps, au geste, à la performance, et même à l’interdisciplinarité. À l’heure où l’art contemporain célèbre les formes hybrides et les pratiques libres, son œuvre retrouve toute sa pertinence.

3. Le dialogue avec les artistes graffiti

Quand le graffiti rencontre l’abstraction lyrique

L’un des moments les plus surprenants — et stimulants — de l’exposition consacrée à Georges Mathieu à la Monnaie de Paris réside dans la rencontre entre son œuvre et celle d’artistes issus de la scène graffiti. Loin d’un simple clin d’œil ou d’un exercice de style, cette mise en regard crée un véritable dialogue entre deux formes d’expressions viscérales, libres et profondément ancrées dans leur époque.

Georges Mathieu, pionnier de l’abstraction lyrique, peignait avec urgence, porté par le geste, l’énergie, l’instant. Une approche que les artistes graffiti, souvent habitués à créer dans l’espace urbain, connaissent bien. À travers cette section de l’exposition, certains d’entre eux réinterprètent librement les œuvres de Mathieu : non pas en les copiant, mais en les prolongeant, en les réactivant avec leur propre langage, fait de couleurs vives, de traits expressifs, d’élans bruts.

Le résultat : un face-à-face vibrant entre deux générations, deux formes de rébellion artistique. Le graffiti, longtemps marginalisé, trouve ici une place légitime dans le musée, et l’œuvre de Mathieu, loin d’être figée dans le passé, entre soudainement en résonance avec les mouvements contemporains. On découvre alors à quel point ses toiles parlent encore aux artistes d’aujourd’hui — et combien son geste a peut-être inspiré, sans le savoir, toute une culture visuelle née dans la rue.

Les artistes graffiti reinterprètent le travail de Mathieu

Dans l’exposition Graffiti x Georges Mathieu : Geste, Vitesse, Mouvement, six artistes urbains ont été invités à créer des œuvres in situ, dialoguant directement avec les dessins sur papier de Georges Mathieu. Cette confrontation artistique met en lumière les résonances entre l’abstraction lyrique et le graffiti contemporain.

JonOne, figure emblématique du graffiti, a réalisé une fresque monumentale aux couleurs éclatantes, capturant l’énergie et la spontanéité du geste cher à Mathieu. Son travail évoque une explosion de couleurs et de mouvements, de lettres et symbôles reflétant la dynamique de l’abstraction lyrique.

Lek & Sowat, duo reconnu pour leurs explorations architecturales et typographiques, ont conçu une installation immersive mêlant calligraphie urbaine et structures géométriques. Leur œuvre crée un pont entre les signes de Mathieu et le langage visuel du graffiti.

Nassyo, artiste aux influences multiples, a présenté une salle immersive où se mêle abstraction et symbolisme. Ses compositions, riches en dynamisme, textures et en contrastes, offrent une relecture contemporaine des motifs de Mathieu. Pour sa fresque en écho au travail de Georges Mathieu, Nassyo a travaillé directement au tube de peinture sur le mur, comme le faisait Mathieu.

Camille Gendron a proposé une oeuvre épurée, jouant sur la transparence et la superposition des formes. Son approche minimaliste met en valeur la gestualité et la fluidité du trait, en écho aux œuvres sur papier de Mathieu.

Matt Zerfa, quant à lui, a investi l’espace avec une série de peintures murales aux lignes dynamiques et aux couleurs vives. Son travail souligne la rapidité d’exécution et l’intensité émotionnelle, caractéristiques communes au graffiti et à l’abstraction lyrique.

Découvrez les artistes abstraits de l’équipe Background Paris.

Ces créations, réalisées spécifiquement pour l’exposition, offrent une relecture contemporaine de l’œuvre de Georges Mathieu. Elles témoignent de l’influence persistante de son art sur les pratiques artistiques actuelles et illustrent la vitalité du dialogue entre les générations. En sortant de l’exposition, on ne voit plus Georges Mathieu comme un “artiste du passé” mais comme un visionnaire oublié, en dialogue direct avec nos préoccupations artistiques contemporaines.

Cette rétrospective à la Monnaie de Paris est bien plus qu’un hommage : c’est une réhabilitation. Elle rappelle à quel point Georges Mathieu a ouvert la voie à une peinture libre, instinctive et universelle qui réinscrit Mathieu au cœur du récit de l’abstraction. Un rendez-vous indispensable pour tout amateur d’art contemporain.

11 avril – 7 sept. 2025 à la Monnaie de Paris (11 Quai de Conti, Paris)

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Du 24 au 27 avril 2025, le Carreau du Temple à Paris a de nouveau vibré au rythme de l’Urban Art Fair, rendez-vous incontournable pour les amateurs, les curieux et les collectionneurs d’art urbain. Cette neuvième édition a confirmé la place centrale de la foire dans le paysage artistique contemporain, en réunissant une quarantaine de galeries internationales et une programmation riche en découvertes.

« Avec “Obey!”, on voulait interroger la manière dont le street art, né dans la rue comme acte de rébellion, est aujourd’hui absorbé par la culture mainstream. Ce nettoyeur qui porte un tee-shirt “Obey” incarne cette ironie : le symbole de la contestation est devenu une marque ».

Murmure (Paul Ressencourt & Simon Roché) – Artistes et créateurs de l’affiche officielle de l’Urban Art Fair.

Cette œuvre, exposée sur le stand de la Mazel Galerie, a suscité de nombreuses discussions sur la commercialisation de l’art urbain. 

1. Les spécificités de l’Urban Art Fair 2025

Une édition marquée par l’ouverture internationale

Cette année, la foire a accentué sa dimension internationale : 43 galeries, dont plus de la moitié venues de l’étranger (Allemagne, Espagne, Corée du Sud, États-Unis, Belgique..). Cela reflète une volonté de faire dialoguer les scènes locales et globales du street art, et de mettre en lumière des talents moins visibles sur le marché français. Paris s’impose comme un carrefour de l’art urbain mondial.

Une réflexion sur la mémoire du street art

Des stands comme celui du Museum of Graffiti (Miami) ou la collaboration entre Logan Hicks et Martha Cooper ont rappelé que le street art a une histoire. Il ne s’agit plus seulement d’un art “à la mode”, mais aussi d’un patrimoine à documenter, archiver, transmettre. Leur stand a offert une perspective historique enrichissante sur l’évolution du graffiti.

« Présenter à Paris des œuvres inédites de GIZ, T-KID 170 et d’autres légendes du graffiti, c’est un pont entre les racines new-yorkaises du mouvement et son rayonnement mondial. » Museum of Graffiti.

L’arrivée du numérique et des nouvelles formes

L’intégration des NFT, de l’art génératif, ou des œuvres immersives confirme que l’art urbain évolue avec son temps. Certaines galeries ont exposé des œuvres digitales ou interactives, qui interrogent la frontière entre virtuel et réel, entre rue et écran.

Une édition sous le signe de la diversité et de l’engagement

Cette année, l’Urban Art Fair a su mêler avec finesse les signatures reconnues du street art — comme JonOne ou L’Atlas — et les talents émergents. Des œuvres monumentales aux formats plus intimistes, la foire a offert un panorama complet de la création urbaine actuelle : peinture, photographie, collage, installation, sculpture…

On a particulièrement remarqué une tendance à l’engagement, qu’il soit social, politique ou écologique. Plusieurs artistes ont utilisé leur medium pour interroger le monde qui nous entoure, entre poésie visuelle et dénonciation frontale. Le street art, fidèle à son ADN contestataire, continue d’être un miroir des tensions contemporaines.

Une fréquentation en hausse et un engouement renouvelé

Avec une fréquentation estimée à plus de 25 000 visiteurs sur quatre jours, cette édition 2025 confirme l’engouement croissant pour l’art urbain, longtemps marginalisé mais désormais pleinement intégré aux institutions artistiques. La présence accrue de collectionneurs et de professionnels témoigne aussi d’une reconnaissance du street art sur le marché de l’art, sans pour autant trahir son esprit libre et subversif.

Affluence : L’édition 2025 a rassemblé environ 100 artistes et 43 galeries issues d’une douzaine de pays, dont 25 exposaient pour la première fois ou revenaient après une absence. 

Profil des visiteurs : La foire attire chaque année des collectionneurs, des professionnels du marché de l’art et des amateurs.

Prix des œuvres : Les œuvres exposées varient en taille et en technique, avec des prix allant de quelques centaines à plusieurs dizaines de milliers d’euros, en fonction de la notoriété de l’artiste et de la complexité de l’œuvre.

2. La scène street art française bien représentée

L’édition 2025 de l’Urban Art Fair a rassemblé plusieurs figures majeures de l’art urbain français, confirmant ainsi son rôle central dans la scène street art hexagonale.

Les artistes emblématiques présents

Parmi les figures majeures de la scène française présentées lors de cette édition, on peut citer :

Invader : il a hacké la terre entière avec ses mosaïques inspirées du jeu Space Invaders.

Hopare : reconnu pour ses portraits réalistes et dynamiques mêlant lignes géométriques et couleurs vives.

« Ma sculpture en marbre est une tentative de figer la fragilité humaine dans un matériau éternel. Elle symbolise la tension entre la force brute et l’émotion intérieure » Hopare.

Cette pièce a marqué les visiteurs par son contraste entre la délicatesse des lignes et la robustesse du matériau. 

Maye : figure incontournable de la scène street art française. Originaire de Sète, il est reconnu pour ses personnages élancés et ses compositions oniriques mêlant poésie, humour et critique sociale.

Les talents confirmés et émergents

L’Urban Art Fair 2025 a également mis en lumière des artistes français confirmés et émergents, tels que :

Yann L’outsider dont le travail fusionne habilement les codes du graffiti et de l’abstraction contemporaine. Il explore des formes géométriques, des jeux de contrastes et des textures qui donnent à ses œuvres une dynamique visuelle forte et poétique. Son art, souvent réalisé in situ sur des murs ou des supports variés, questionne la place de l’écriture et du geste dans l’espace urbain comme dans les galeries. Il s’impose ainsi comme une figure singulière du street art, entre spontanéité et maîtrise graphique.

Nous pouvons également citer le travail de Gris1 qui se distingue par un univers visuel riche et coloré, combinant typographies “home made”, formes vectorielles et éléments figuratifs. Ses œuvres, véritables patchworks d’influences, oscillent entre naïveté enfantine et complexité graphique, reflétant une quête constante d’innovation et de liberté artistique.

Gris1, membre éminent du collectif Da Mental Vaporz (DMV), fondé en 1999, collabore avec des artistes tels que Bom.K, Brusk, Dran et Sowat pour créer des fresques monumentales mêlant graffiti, illustration et abstraction. 

Solo show

La galerie Outsiders de Rouen présentait un solo show. C’est le travail de Skio qui était mis en lumière avec une master pièce et des formats plus adaptés aux intérieurs de particuliers.  On retrouve dans ses œuvres ses études en design, son amour pour le Bahaus et son architecture, l’inscription du corps dans l’espace, le surréalisme… Tout en questionnant la perte d’identité dans notre génération. 

La galerie Prazowski a consacré une rétrospective à Kan/DMV, figure majeure du néo-pointillisme et membre du collectif Da Mental Vaporz, soulignant son influence sur la scène artistique contemporaine.

Cette édition a ainsi offert un panorama riche et diversifié de l’art urbain français, mêlant artistes établis et nouvelles figures, confirmant la vitalité de cette scène artistique.

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3. Les événements “off” de l’Urban Art Fair

Installations et expositions hors les murs

L’Urban Art Fair 2025 a présenté des installations artistiques en dehors du Carreau du Temple, permettant aux visiteurs de découvrir des œuvres dans l’espace public parisien. Ces initiatives visaient à rapprocher l’art urbain de son environnement d’origine et à offrir une expérience artistique accessible à tous.

Dans ce contexte, les galeries Lafayette ont accueilli l’installation colorée d’Arnaud Liard.

Conférences et projections

Des cycles de conférences ont été organisés, réunissant des artistes et des intervenants internationaux renommés pour discuter de l’évolution de l’art urbain, de son intégration dans le marché de l’art et de son impact culturel. Par ailleurs, des projections de courts-métrages ont été proposées, notamment en partenariat avec l’Urban Films Festival, mettant en lumière la diversité des pratiques et des modes de vie urbains. 

Performances en direct et rencontres

L’édition 2025 a également inclus des performances en direct, où les visiteurs ont pu assister à la création d’œuvres en temps réel, et des séances de dédicaces avec les artistes, favorisant ainsi des échanges directs entre le public et les créateurs.

Ces événements « off » ont permis de prolonger l’expérience de la foire au-delà des murs du Carreau du Temple, renforçant l’interaction entre l’art urbain et la ville de Paris.

L’Urban Art Fair, plus qu’une foire, un manifeste

Au-delà d’un simple salon, l’Urban Art Fair s’impose aujourd’hui comme un espace de dialogue, de découverte et de réflexion sur ce que peut (et doit) être l’art contemporain. En rassemblant des artistes de tous horizons et en valorisant une création urbaine riche et protéiforme, elle continue d’écrire l’histoire d’un mouvement en perpétuelle évolution.

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Lorsqu’il s’agit d’organiser une soirée d’entreprise ou un lancement de produit mémorables, les idées originales sont toujours les bienvenues. Et si vous plongiez vos collaborateurs et clients dans une expérience artistique unique ?! Le live painting street art est une animation aussi surprenante que captivante, capable de transformer une soirée professionnelle en un événement marquant.

1. Qu’est-ce que le live painting street art ?

L’art de marquer les esprits

Le live painting, littéralement « peinture en direct », consiste à voir un artiste réaliser une œuvre en temps réel, sous les yeux du public. Lorsqu’on y ajoute une touche street art, on entre dans un univers visuel puissant, urbain, coloré, parfois engagé, et toujours expressif. L’artiste improvise ou suit un thème prédéfini, en travaillant avec des bombes de peinture, marqueurs ou pinceaux, et donne vie à une fresque artistique sous le regard des invités.

2. Pourquoi proposer un live painting street art à vos clients ?

Le live painting street art peut-être réalisé pour un  lancement de produit, une soirée d’entreprise ou de gala, une inauguration, un salon professionnel ou un séminaire interne.

Une animation à fort impact visuel qui crée de l’émotion et du lien

Intégrer un live painting à une soirée d’entreprise, c’est proposer bien plus qu’une simple animation. C’est offrir une expérience immersive qui stimule la curiosité, suscite l’émerveillement et invite à l’échange. Les collaborateurs assistent à la naissance d’une œuvre unique, parfois participent eux-mêmes à quelques coups de pinceau, et partagent un moment fédérateur hors du cadre habituel.

Ce type d’animation fonctionne à merveille pour briser la glace lors d’un cocktail, dynamiser un lancement de produit ou encore ponctuer un discours ou une remise de prix. L’artiste crée une œuvre en temps réel, inspirée de votre produit, de votre histoire, de votre univers de marque, de vos valeurs, de votre logo… Pour renforcer l’impact de l’événement ! L’attention est instantanée et les émotions sont au rendez-vous.

Un contenu artistique sur-mesure pour un storytelling vivant

Votre message prend forme sous les yeux de vos invités. L’œuvre devient une interprétation artistique de votre identité de marque. Chaque prestation est personnalisée : logo, valeurs, produit, message clé. Le résultat ? Une œuvre unique, créée autour de l’univers du client, qui prolonge la communication bien au-delà de l’événement.

Un événement qui devient une expérience immersive et fédératrice

Le live painting transforme votre soirée d’entreprise en une expérience immersive et artistique. C’est bien plus qu’une simple animation : c’est un vecteur d’émotions, une manière originale d’incarner votre message, et un moment que vos invités associeront à votre marque. Certains formats permettent même une participation directe : parfait pour créer du lien entre les invités ou les collaborateurs.

Un souvenir artistique personnalisé comme support de com’ post-événement

L’un des grands avantages du live painting est qu’il laisse une trace tangible, un souvenir physique. L’œuvre créée peut être conservée dans les locaux de l’entreprise, exposée dans une salle de réunion, lors de salons ou même reproduite en miniatures à offrir aux participants. Une fresque ou une toile créée lors de l’événement devient un objet de communication durable : c’est un souvenir à la fois original et artistique qui prolonge l’expérience bien après la soirée. Photos, vidéos, reels, teasers… Le live painting génère du contenu engageant et facilement réutilisable.

Une logistique simple

Pas besoin de scène ou de matériel complexe : un mur, une toile ou un panneau suffisent. Nous gérons la coordination artistique et technique, vous gardez le contrôle total du planning.

Un contenu à forte viralité

Parfait pour enrichir vos réseaux sociaux, votre presse événementielle ou vos vidéos de lancement. L’effet « waouh » est garanti. C’est aussi un excellent prétexte pour les photos, les vidéos et le contenu à diffuser sur vos réseaux sociaux : la performance devient un outil de communication en soi.

Découvrez tous nos projets de live painting

3. Comment organiser un live painting réussi ?

Pour garantir l’effet, il est essentiel de bien choisir l’artiste et de définir en amont les contours de l’animation:

Un concept sur mesure pour votre marque

Le live painting est une animation 100 % personnalisable :

Thématique : storytelling produit (innovation, écologie, énergie, audace), valeurs de la marque, ADN, événement marquant, message interne.

Style graphique : abstrait, figuratif, typographique… selon l’identité de l’entreprise.

Formats : toile grand format, mur mobile, objets à peindre (packaging géant, mobilier…)

Participation : performance d’un artiste et/ou participative avec vos collaborateurs, invités à ajouter leur touche, même symboliquement (version participative possible pour team-building).

L’œuvre créée peut être conservée comme un souvenir emblématique de ce lancement. Elle pourra être exposée dans vos bureaux, dans un showroom ou lors de futurs salons professionnels.

Durée : de 45 min à 3 h selon le rythme de votre soirée

L’intégration logistique est aussi à prendre en compte : emplacement, protection des sols, ventilation, éclairage valorisant l’artiste en action…

4. Pour qui organiser un live painting street art ?

Le live painting street art est une animation adaptable, ce qui lui permet de séduire un large éventail d’entreprises, surtout celles qui cherchent à sortir des sentiers battus et à valoriser leur image de manière créative.

Pour les entreprises avec une image dynamique

L’animation live painting street art est pertinente pour refléter une image dynamique, audacieuse, avant-gardiste pour les marques innovantes ou créatives (startups, entreprises tech, applications mobiles, design, mode, cosmétiques, agences de communication)

Et une communication moderne

Le street art donne une dimension événementielle moderne et mémorable aux grands groupes ou ETI souhaitant marquer un moment fort pour un lancement de produit, fusion, anniversaire, séminaire…

Qui souhaitent matérialiser un changement

Le live painting permet de matérialiser le changement de manière artistique et symbolique pour les entreprises en pleine transformation ou rebranding (nouveau positionnement, nouvelle offre, changement d’identité visuelle…)

Et incarner des valeurs fortes

Le street art, souvent porteur de messages, peut incarner des valeurs fortes (diversité, durabilité, engagement) pour des entreprises ayant une forte culture RSE (marques éthiques, écoresponsables, inclusives)

Pour célébrer un lancement de produit

C’est une animation idéale en boutique, en centre commercial pour une opération de lancement produit, une collection pour les enseignes orientées retail (marque de prêt-à-porter, enseignes lifestyle, grande distribution).

Ou affirmer son identité

Mais aussi les acteurs du secteur événementiel et touristique (agences événementielles, hôtellerie, lieux de réception, villes ou festivals)

Découvrez nos live painting en vidéo

Différenciez vos événements en proposant à vos clients une animation originale, interactive et mémorable !

Le live painting street art est bien plus qu’une animation tendance : il valorise l’image de marque, engage les publics et dynamise les événements. C’est un moyen audacieux de fédérer les équipes autour d’une création commune et de marquer durablement les esprits.

Le live painting street art devient un élément d’attractivité autant qu’un outil de communication artistique qui convient à toute entreprise souhaitant marquer les esprits, insuffler de la créativité à leurs événements et créer du lien avec ses publics internes et externes.

Contactez-nous pour intégrer un live painting street art à votre prochain lancement produit ou séminaire. Nous concevons une animation sur mesure, en lien avec votre culture d’entreprise et vos objectifs.

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Dans un monde où la qualité de vie au travail prend une place centrale dans les préoccupations des entreprises, l’environnement dans lequel évoluent les collaborateurs joue un rôle clé dans leur bien-être, leur motivation… Et leur créativité ! Parmi les leviers souvent sous-estimés, la fresque murale en entreprise s’impose comme un outil puissant pour transformer un espace de travail en un lieu inspirant, porteur de sens et de valeurs. 

Oubliez les murs blancs impersonnels et les cadres figés. Une fresque murale bien pensée est une déclaration d’intention visuelle. Elle raconte une histoire, incarne l’ADN de l’entreprise (ses valeurs, sa mission, son histoire, ses produits ou encore sa vision de l’avenir) tout en insufflant une atmosphère unique. Cela crée une cohérence entre l’environnement et la culture d’entreprise.

Que ce soit une œuvre abstraite, un motif végétal apaisant, une illustration dynamique ou une représentation symbolique des valeurs de l’entreprise, la fresque devient un outil de communication interne et externe. Elle renforce le sentiment d’appartenance, tout en séduisant partenaires, clients ou talents en visite.

1. Les bénéfices concrets d’une fresque murale en entreprise

S’offrir une opportunité de storytelling pour renforcer son image de marque

Une fresque murale personnalisée reflète les valeurs, la culture et l’histoire de votre entreprise. Racontez une histoire qui captive l’attention de votre public et créez des opportunités pour votre entreprise de communiquer vos messages, vos valeurs ou vos initiatives importantes de manière créative et engageante.

Se différencier de la concurrence et soigner son expérience client

Démarquez-vous de la concurrence et attirez l’attention sur votre espace physique, particulièrement dans les environnements concurrentiels. Dans votre boutique ou lors de vos événements, la fresque sert de point focal et d‘attraction visuelle. Attirez vos clients et offrez leur une expérience mémorable. Stimulez les échanges et favorisez le partage de votre message sur les réseaux sociaux. Révélez votre lieu et diversifiez vos actions marketing en associant votre image de marque à celle d’artistes urbains reconnus.

Favoriser le bien-être au travail et stimuler la créativité

Des études ont montré que l’art en entreprise stimule la concentration, réduit le stress et encourage la collaboration. Une fresque murale, en occupant un espace stratégique comme une salle de pause, un open space ou un hall d’entrée, agit comme un point de repère visuel, un ancrage qui booste l’humeur et favorise les interactions positives.

Susciter de l’engagement et créer un sentiment d’appartenance

L’impact est d’autant plus fort lorsque la fresque est co-créée avec les équipes, la fresque devient un symbole commun, un “totem” identitaire. Impliquer les collaborateurs dans le processus de conception, via un atelier ou une consultation, permet de créer un lien émotionnel fort avec l’œuvre… Et avec l’entreprise !

Un environnement stimulant visuellement agit sur la motivation, la productivité et l’envie de s’impliquer. Les fresques peuvent même intégrer des citations inspirantes ou des éléments graphiques qui encouragent l’innovation.

Activer des espaces sous-utilisés 

Transformez vos espaces autrefois négligés ou sous-utilisés en des lieux attrayants et fonctionnels. Cela peut inclure des couloirs, des cages d’escalier, des salles de pause ou des espaces extérieurs, offrant ainsi de nouvelles opportunités pour vos employés de se détendre et de se réunir

2. Comment mettre en place une fresque murale dans votre espace de travail ?

Voici les grandes étapes d’un projet bien mené :

Définir les objectifs de la fresque murale

Est-ce pour dynamiser un open space ? Accueillir chaleureusement dans un hall ? Refléter les valeurs dans une salle de réunion ? L’objectif oriente le style et le message.

Quel style de fresque murale pour quel type d’espace ?

Open space : formes abstraites dynamiques ou citations inspirantes

Salle de pause / détente : scènes végétales, ambiance zen ou motifs naturels

Salle de réunion : fresques symboliques, graphiques, ou liées au storytelling de l’entreprise

Hall d’accueil : œuvre impactante avec le logo intégré de façon artistique, ou une frise chronologique illustrée de l’histoire de l’entreprise

Espaces de coworking : fresques colorées, décalées, souvent street art ou géométriques pour une ambiance jeune et stimulante

Choisir l’artiste ou l’agence

Il est crucial de sélectionner un professionnel qui comprend l’univers de l’entreprise. Tous les artistes ne travaillent pas en intérieur ni pour des projets d’entreprise. Certains artistes sont spécialisés dans les fresques en milieux professionnels et savent adapter leur style aux contraintes techniques, esthétiques et d’espace tout en comprenant les enjeux de l’entreprise.

Valider une maquette

Avant la réalisation du projet, l’artiste propose un visuel, une maquette ou un rendu 3D pour validation. Il faut également penser à la durabilité des matériaux (peintures, finitions…)

Réaliser la fresque murale

La mise en peinture peut durer de quelques jours à plusieurs semaines selon la complexité du chantier. Elle peut se faire en dehors des heures de bureau pour minimiser les perturbations.

Anticipez l’évolution des goûts

Optez pour une fresque street art intemporelle ou pour une version éphémère renouvelable tous les 2-3 ans.

Respectez la cohérence globale

La fresque street art street art peut être forte, mais elle doit s’intégrer dans la charte visuelle et l’identité globale du lieu. Elle doit rester lisible et harmonieuse dans le lieu.

Découvrez nos projets de fresques murales pour valoriser vos espaces

3. Pourquoi choisir une fresque murale street art en entreprise ?

La fresque murale street art a des spécificités intéressantes, surtout dans un contexte professionnel. Elle apporte une énergie unique, une touche d’audace, et casse les codes classiques du design d’intérieur.

Un style percutant et contemporain

Le street art est visuellement fort. Il attire l’œil, marque les esprits et crée un effet “waouh”. C’est un excellent moyen de valoriser un esprit novateur, disruptif ou créatif dans des entreprises tournées vers l’avenir (startups, agences créatives, entreprises tech…)

Un pont entre art urbain et culture d’entreprise

Bien que né dans la rue, le street art s’intègre parfaitement dans les espaces professionnels modernes. Il symbolise la liberté, l’expression, l’engagement, le dépassement… Des valeurs que beaucoup d’organisations souhaitent aujourd’hui refléter.

Une ambiance vivante et humaine

La fresque murale street art insuffle du mouvement et de l’émotion dans des espaces parfois trop “corporate”. Il favorise un climat de travail détendu et stimulant, en apportant une touche de décalage maîtrisée.

Découvrez nos réalisations en vidéo

Faire appel à un artiste ou à une agence spécialisée permet de concevoir une fresque sur-mesure, en harmonie avec les volumes, les couleurs, les engagements et la culture de l’entreprise. C’est un investissement à long terme, qui valorise non seulement les murs, mais aussi l’image globale de l’entreprise.

De plus en plus de structures intègrent cette démarche dans leur stratégie RSE ou leur politique de bien-être au travail. C’est aussi un moyen d’encourager la scène artistique locale et de rendre l’art accessible à tous, au quotidien.

Dynamiser et valoriser son environnement de travail avec une fresque murale street art, c’est bien plus qu’une tendance déco. C’est une démarche créative, humaine et stratégique au service du collectif et de la performance. Et si votre prochain mur blanc devenait un terrain d’expression et d’inspiration ?

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Vous êtes constamment à la recherche de solutions pour améliorer la qualité de vie au travail, dynamiser les relations interpersonnelles ou renforcer le sentiment d’appartenance ?  Dans un monde professionnel en constante évolution, fédérer ses équipes est plus qu’un besoin, c’est un levier de performance. Si les séminaires classiques ont longtemps occupé le terrain, les entreprises cherchent aujourd’hui des formats plus vivants, plus créatifs, plus humains. C’est dans cette dynamique que le team building street art s’impose comme une expérience originale, engageante et résolument fédératrice.

1. Fédérer ses équipes autrement : l’expérience unique du team building street art

Sortir du cadre, littéralement

Le monde du travail est souvent structuré, balisé, hiérarchisé. Le street art, lui, est l’espace de tous les possibles. En participant à une œuvre collective, chacun ose s’exprimer, sortir de sa zone de confort, expérimenter sans peur du jugement. C’est un terrain d’expression inclusif où la hiérarchie s’efface au profit du collectif.

Le street art, par essence, casse les codes. Il s’exprime dans l’espace public, avec audace, spontanéité et une vraie dimension collective. Proposer un atelier de graffiti à vos collaborateurs, c’est leur offrir un moment hors du temps… Et hors des murs! Loin des salles de réunion, chacun découvre un terrain neutre où les statuts s’effacent. Peu importe qu’on soit stagiaire ou manager : bombe à la main, tous sont égaux face à la toile ou au mur. Cela crée une bulle de liberté, propice à la collaboration et à la créativité.

Une activité inclusive, sans pré-requis

Pas besoin de savoir dessiner pour participer. L’atelier d’initiation au street art, encadré par des artistes, permet à chacun de s’exprimer à son rythme, dans un cadre bienveillant. Il met tous les collaborateurs sur un pied d’égalité, quelles que soient leurs fonctions ou leur ancienneté.

Parce que la créativité casse les barrières : libérer l’expression et la cohésion

Les participants découvrent les codes du street art, apprennent à manier les outils, puis co-créent une œuvre collective. Résultat ? Un véritable vecteur de communication non verbale, où l’on s’écoute autrement, où l’on se comprend par le geste, le style, l’intention.

Ce travail de co-création renforce l’écoute, la confiance et l’intelligence collective. Il permet à chacun de s’exprimer autrement que par des mots ou des objectifs, et développe une fierté d’appartenance forte autour d’un projet esthétique et symbolique.

Un souvenir commun, visuel… Et durable !

Le team building street art a cet avantage rare : il laisse une trace ! Que ce soit une fresque collaborative exposée dans les locaux de l’entreprise, ou des photos/vidéos de l’événement, l’expérience continue à vivre après l’atelier. C’est une fierté d’équipe, une mémoire visuelle, un emblème de ce que l’on peut construire ensemble. C’est un moyen puissant de renforcer l’identité de l’équipe, d’ancrer des messages de manière visuelle, tout en valorisant l’implication de chacun.

Un format adaptable à toutes les équipes

Débutant ou initié, jeune startup ou grand groupe, en intérieur ou en extérieur : les formats sont multiples et s’adaptent à tous les profils. En deux heures, une demi-journée ou sur plusieurs sessions, en petit comité ou en grand format, l’expérience se module en fonction des besoins et de la culture de l’entreprise.

Qui révèle les talents cachés 

Créativité, écoute, collaboration, prise d’initiative… Ce type d’atelier révèle des qualités humaines parfois invisibles dans un cadre de travail classique. C’est un excellent outil RH pour valoriser les talents, renforcer la fierté d’appartenance et la co-construction.

On a tous des compétences que notre job ne révèle pas. Ce collègue discret a peut-être un vrai sens du dessin. Cette manager a un sens des couleurs étonnant. Le street art révèle d’autres facettes des personnalités, valorise les individualités et enrichit la dynamique de groupe.

2. Concrètement, comment ça se passe ?

Un format qui s’adapte à vos objectifs RH

Un team building street art peut prendre différentes formes :

. Une découverte d’un quartier parisien pour comprendre la culture, ses codes et ses valeurs. Après cette introduction, s’en suit une initiation au graffiti : apprentissage des techniques, lettrage, remplissage, contours… Pour la création d’une fresque collaborative autour d’un thème d’entreprise : vos innovations et vos valeurs mis en images avec les couleurs de votre charte graphique, réalisés par vos équipes, dans les rues de Paris. 

. Une performance live avec un artiste urbain que les équipes assistent ou co-construisent lors d’une soirée d’entreprise par exemple. 

. Des objets personnalisés (totebags, tee-shirts, skates…) customisés par chaque participant qui repartent avec un souvenir tangible de cette expérience artistique.

Et toujours, dans une ambiance conviviale, encadrée par des artistes expérimentés et pédagogues.

Découvrez le contenu et le déroulé de nos team building street art !

3. Les bénéfices en entreprise : bien plus qu’un simple atelier créatif

Une décompression collective qui améliore la communication et renforce la cohésion

C’est un moment de décompression collective qui valorise les collaborateurs : rien de tel que de lâcher prise en taguant un mur où chaque trace laissée est une contribution à une oeuvre collective.

Une culture d’entreprise affirmée

Le street art est né dans la rue, mais il trouve toute sa place en entreprise, à condition de respecter son esprit : authenticité, expression, liberté. Les points communs entre les valeurs de la culture Hip Hop et celles de la culture d’entreprise sont nombreux : écoute, entraide, respect, communication, cohésion d’équipe, dépassement de soi… Intégrer cette culture dans un moment de team building, c’est montrer à vos équipes que l’entreprise est moderne et sait sortir des sentiers battus.

Le team building street art renforce les liens interservices, développe l’intelligence collective, prévient des risques psychosociaux par la libération émotionnelle, joue sur l’attractivité employeur (avec une culture d’entreprise vivante et moderne) et améliore le climat social et la motivation au sein de vos équipes.

4. Ils en parlent mieux que nous

Témoignages

« Super expérience avec une équipe au top. Hugo et son équipe ont été formidables. Que ce soit pour la conception, le choix de l’artiste qui nous a accompagné ou ses explications passionnantes avant la performance, c’était un moment exceptionnel pour l’équipe. Tout le monde a appris beaucoup de choses dans un cadre très cool avec une équipe géniale. Je ne peux que chaleureusement recommander Background Paris. »

— Marc-Antoine R., Responsable de label, industrie musicale

« Dans le cadre d’un team building, Hugo et son équipe nous ont fait découvrir leurs univers ! Une superbe approche, une connaissance… Ou plutôt une bible sur le sujet ! Je recommande très fortement leur service.  »

— Krishnen M. Manager, industrie sportive

« Moment incroyable de découverte en équipe ! On comprend mieux les subtilités du monde du Graffiti. Génial de pouvoir s’y essayer aussi, même sans expérience on peut faire de belles choses. Je regarde désormais la rue avec un oeil plus affuté et curieux ! Un immense merci à la team Background.  »

— Pierre C. Manager, commerce de détail d’habillement et accessoires de mode

Découvrez tous les autres témoignages !

Le team building street art n’est pas un simple atelier créatif. C’est une expérience collective forte, où chacun retrouve le goût du geste, du partage, du faire ensemble. C’est une parenthèse visuelle et émotionnelle qui soude les équipes, stimule la créativité et fait souffler un vent d’audace sur la culture d’entreprise. C’est une expérience visuellement marquante et profondément humaine qui permet de fédérer, de s’exprimer et créer.

L’atelier d’initiation au street art est un puissant outil RH créatif et inclusif pour créer du lien, développer l’engagement, valoriser vos collaborateurs et ancrer votre culture d’entreprise de manière concrète et durable. Alors, prêt à laisser une vraie empreinte dans votre stratégie RH en offrant à vos équipes une parenthèse artistique et collective inoubliable ?

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